Els anys 90: Ryuichi Sakamoto – Los años 90: Ryuichi Sakamoto

EPÍLEG: ELS ANYS 90, CAP AL SEGLE XXI – EPÍLOGO: LOS AÑOS 90, HACIA EL SIGLO XXI

12 músics del canvi de segle – 12 músicos del cambio de siglo

Ryuichi Sakamoto

Ryuichi Sakamoto (坂本 龍一 Sakamoto Ryūichi), nascut el 17 de gener de 1952, és un músic japonès, activista, compositor, productor, escriptor, cantant, pianista i actor.

Va començar al Japó als anys 70 com a teclista i compositor en el grup de música electrònica Yellow Magic Orquestra, i als anys 80 va començar la seva carrera en solitari amb els àlbums B-2 Unit (1980) -amb el famós tema electrònic Riot in Lagos– i Illustrated Musical Encyclopedia (1986), i als anys 90 amb els àlbums Heartbeat (1991), Sweet Revenge (1994), Smoochy (1995), 1996, i Discord (1998).

En aquests treballs Sakamoto s’ha revelat com un gran eclèctic i multiestilista, barrejant elements de la música clàssica avantguardista (amb col.laboracions de músics com Nan June Paik), del pop i el rock (amb col.laboracions de gent com David Byrne, Iggy Pop, Robert Wyatt, Robbie Robertson o Laurie Anderson) de la música tradicional japonesa o d’altres llocs (amb col.laboracions amb l’africà Youssou N’Dour i els brasilenys Caetano Veloso i Jacques Morelenbaum) i de la música electrònica (amb col.laboracions amb rapers i DJ com Melle Mei, David Sylvain i DJ Spokey).

L’any 1999 estrenà la òpera Life, ambiciós projecte multi génere i multimedia que va incloure col.laboracions de més de 100 artistes inclosos Pina Bausch, Bernardo Bertolucci, Josep Carreras, Tenzin Gyatso y Salman Rushdie.

També ha estat destacable la seva obra com a compositor de bandes sonores per al cinema, entre les que cal destacar les de Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983) de Nagisha Oshima amb el famós fragment Forbidden Colours; El último emperador (1987) de Bernardo Bertolucci, junt amb David Byrne y Cong Su que va aconseguir un Oscar; Tacones lejanos (1991) de Pedro Almodóvar; Pequeño Buda (1993) de Bernardo Bertolucci; Snake Eyes (1998) i Femme Fatale (2002) de Brian De Palma; i Gohatto (1999) de Nagisha Oshima.

Altres composicions seves han estat la música per la cerimònia d’apertura dels Jocs olímpics Barcelona 1992, i els tons dels telèfons mòbils Nokia.

Riot in Lagos https://www.youtube.com/watch?v=HZ_SrK4D1fg

Risky del disc Sweet revenge amb Iggy Pop https://www.youtube.com/watch?v=o2f4tR63WRA

Aishiteru, Aishitenai del disc Smoochy https://www.youtube.com/watch?v=T6rLPV8UhtU

Caetano Veloso & Jaques Morelenbaum & Ryuichi Sakamoto – Insensatez – Heineken Concerts 1995 https://www.youtube.com/watch?v=VrNHISLCPI8

Asadoya Yunta del disc Beauty https://www.youtube.com/watch?v=ar9OFoQSwn8

Andata del disc Async https://www.youtube.com/watch?v=pygwK0sBUdM

Fragment de Life https://www.youtube.com/watch?v=RqlItqLTseQ

Tema BS The last emperor versió en directe https://www.youtube.com/watch?v=cfS5Bs3AFh4

El mar mediterrani Cerimònia obertura Jocs Olímpics Barcelona 92 https://www.youtube.com/watch?v=Ni3DV7icxzk

Dharma tons pel telèfon Nokia 8800 https://www.youtube.com/watch?v=_43Yl6UNDEA

Ryuichi Sakamoto (坂本 龍一 Sakamoto Ryūichi), nacido el 17 de Enero de 1952, es un músico japonés, activista, compositor, productor, escritor, cantante, pianista y actor.

Comenzó en Japón en los años 70 como teclista y compositor en el grupo de música electrónica Yellow Magic Orquestra, y en los años 80 comenzó su carrera en solitario con los álbumes B-2 Unit (1980) -con el famoso tema electrónico Riot in Lagos– y Illustrated Musical Encyclopedia (1986), y en los años 90 con los álbumes Heartbeat (1991), Sweet Revenge (1994), Smoochy (1995), 1996, y Discord (1998).

En estos trabajos Sakamoto se reveló com un gran ecléctico y multiestilista, mezclando elementos de la música clásica vanguardista (con colaboraciones de músicos como Nan June Paik), del pop y el rock (con colaboraciones de gente como David Byrne, Iggy Pop, Robert Wyatt, Robbie Robertson o Laurie Anderson) de la música tradicional japonesa o de otros lugares (con colaboraciones con el africano Youssou N’Dour y los brasileños Caetano Veloso y Jacques Morelenbaum) y de la música electrónica (con colaboraciones con raperos i DJ com Melle Mei, David Sylvain y DJ Spokey).

El año 1999 estrenó la ópera Life, ambicioso proyecto multigénero y multimedia que incluyó colaboraciones de más de 100 artistas como Pina Bausch, Bernardo Bertolucci, Josep Carreras, Tenzin Gyatso y Salman Rushdie.

También ha sido destacable su obra como compositor de bandas sonoras, entre las que hay que destacar las de Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983) de Nagisha Oshima con el famoso fragmento Forbidden Colours; El último emperador (1987) de Bernardo Bertolucci, junto con David Byrne y Cong Su que consiguió un Oscar; Tacones lejanos (1991) de Pedro Almodóvar; Pequeño Buda (1993) de Bernardo Bertolucci; Snake Eyes (1998) i Femme Fatale (2002) de Brian De Palma; y Gohatto (1999) de Nagisha Oshima.

Otras composiciones suyas han sido la música para la ceremonia de apertura de los Juegos olímpicos Barcelona 1992, y los tonos de los telèfonos móviles Nokia.

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Els anys 90: Sonic Youth – Los años 90: Sonic Youth

EPÍLEG: ELS ANYS 90, CAP AL SEGLE XXI – EPÍLOGO: LOS AÑOS 90, HACIA EL SIGLO XXI

12 músics del canvi de segle – 12 músicos del cambio de siglo

Sonic Youth

Sonic Youth va ser un grup de New York que barrejà rock, punk i electrònica experimental. Destacava en ells la presència protagonista d’una dona, la baixista, cantant i compositora Kim Gordon, junt amb els guitarristes Thurston Moore i Lee Ranaldo.

En els seus inicis als anys 80 van estar influenciats pel músic clàssic avantguardista Glenn Branca, en discos com Bad moon rising (1984) i Sister (1987) . Als anys 90 van participar de l’explosió del rock anomenat grunge junt amb el grup Nirvana i el seu líder Kurt Cobain del que eren amics. Després van seguir amb el seu estil propi en discos com Goo (1990), Dirty (1992), Experimental Jet Set (1993), Washing Machine (1995) i A thousand lives (1998); i van seguir als 200 amb Sonic nurse (2004) i The Eternal (2009).

La música de Sonic Youth combina el caràcter més pop de les composicions de Gordon amb el més experimental de les de Moore i Ranaldo. Han col.laborat amb músics com David Bowie i Enrique Morente i amb el grup Nirvana.

100 % del disc Dirty  https://www.youtube.com/watch?v=N3gN9Up6hmc

I wanna be your dog  https://www.youtube.com/watch?v=EWdz8_uQhHE

Bull in the heather del disc Experimental Jet Set   https://www.youtube.com/watch?v=8JGBNkLM9_8

The Diamond Sea del disc Washing Machine https://www.youtube.com/watch?v=v_4e8Tq-CKQ

Little Trouble Girl del disc Washing Machine https://www.youtube.com/watch?v=fJWJcSTPNpM

Youth against fascism https://www.youtube.com/watch?v=eWzIlCJAw-o

I’m afraid of americans en directe amb David Bowie https://www.youtube.com/watch?v=ljn2mJBN0BI

Sonic Youth fue un grupo de New York que mezcló rock, punk y electrónica experimental. Destacaba en ellos la presencia protagonista de una mujer, la bajista, cantante y compositora Kim Gordon, junto con los guitarristas Thurston Moore y Lee Ranaldo.

En sus inicios en los años 80 estuvieron influenciados por el músico clásico vanguardista Glenn Branca, en discos como Bad moon rising (1984) y Sister (1987) . En los años 90 participaron de la explosión del rock llamado «grunge» junto con el grupo Nirvana y su líder Kurt Cobain del que eran amigos. Después siguieron con su estilo propio en discos como Goo (1990), Dirty (1992), Experimental Jet Set (1993), Washing Machine (1995) y A thousand lives (1998); y siguieron en los 2000 con Sonic nurse (2004) y The Eternal (2009).

La música de Sonic Youth combina el carácter más pop de las composiciones de Gordon con el más experimental de las de Moore y Ranaldo. Han colaborado con músicos como David Bowie y Enrique Morente y con el grupo Nirvana.

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Els anys 90: Ana Tijoux – Los años 90: Ana Tijoux

EPÍLEG: ELS ANYS 90, CAP AL SEGLE XXI – EPÍLOGO: LOS AÑOS 90, HACIA EL SIGLO XXI

12 músics del canvi de segle – 12 músicos del cambio de siglo

Ana Tijoux

El «rap» que als anys 80 va començar com una música dels afroamericans dels ghettos de les grans ciutats dels Estats Units, als anys 90 es va anar difonent per tot el món i avui en dia té els seus exponents més creatius en països del tercer món, a Llatinoamèrica (Argentina, Xile, Mèxic,…….), a Orient Pròxim (Palestina,……) i a Àfrica (Marroc, Algèria,…..). També a països europeus com Espanya, França,……

Un altra característica és la creixent presència de dones «raperes», en un gènere que al principi va ser bastant masclista tan en les lletres com en la poca presència d’intèrprets femenines. Exemples són l’espanyola Mala Rodríguez, la xilena Ana Tijoux, l’argentina Malena d’Alessio, l’estadounidenca Lauryn Hill i la palestina Shadia Mansour.

Ana Tijoux és una cantant i rapera xilena que va començar als anys 90 amb el grup Mazika i després va actuar i grabar com a solista, destacant per la seva música on introdueix elements de música folklòrica i les seves lletres amb militància social i feminista.

Ha treballat en diversos països d’Amèrica Llatina, Europa i els Estats Units. Està considerada una de les principals MC´s llatinoamericanes i ha estat nominada en varies ocasions als premis Grammy. Ha col.laborat amb artistes com Julieta Venegas, Jorge Drexler i Shadia Mansour.

Destaquen en la seva obra els àlbums 1977 (2009) que li va valdre el títol de millor MC del món el 2011; La Bala (2011); i Vengo (2014) on destaquen els temes Somos Sur i Antipatriarca amb fort contingut polític i música on fusiona rap amb instruments tradicionals.

Ana va participar intensament en les movilitzacions de la joventut xilena de l’any 2011.

1977 https://www.youtube.com/watch?v=yiQ7S38nKog

Shock https://www.youtube.com/watch?v=177-s44MSVQ

Todo lo sólido se desvanece en el aire    https://www.youtube.com/watch?v=gnwWjB2KUZg

Sacar la voz (amb Jorge Drexler) https://www.youtube.com/watch?v=VAayt5BsEWg

Eres para mi (amb Julieta Venegas)   https://www.youtube.com/watch?v=I3tgeSgIdis

Antipatriarca  https://www.youtube.com/watch?v=RoKoj8bFg2E

Somos sur (amb Shadia Mansour) https://www.youtube.com/watch?v=EKGUJXzxNqc

El «rap» que en los años 80 comenzó como una música de los afroamericanos de los ghettos de las grandes ciutades de los Estados Unidos, en los años 90 se difundió por todo el mundo y hoy en día tiene sus exponentes más creativos en países del tercer mundo, en Latinoamérica (Argentina, Chile, Méjico,…….), en Oriente Próximo (Palestina,……) y en África (Marruecos, Argelia,…..). También en países europeos como España, Francia,……

Otra característica es la creciente presencia de mujeres «raperas», en un género que al principio fue bastante machista tanto en las letras como en la poca presencia de intérpretes femeninas. Ejemplos són la española Mala Rodríguez, la chilena Ana Tijoux, la argentina Malena d’Alessio, la estadounidense Lauryn Hill y la palestina Shadia Mansour.

Ana Tijoux es una cantante y rapera chilena que comenzó en los años 90 con el grupo Mazika y después actuó y grabó como solista, destacando por su música en la que introduce elementos de música folklórica y sus letras con militancia social y feminista.

Ha trabajado en diversos países de América Latina, Europa y en los Estados Unidos. Está considerada una de las principales MC´s latinoamericanas y ha estado nominada en varias ocasiones a los premios Grammy. Ha colaborado con artistas como Julieta Venegas, Jorge Drexler y Nadia Mansour.

Destacan en su obra los àlbumes 1977 (2009) que le valió el título de mejor MC del mundo en 2011; La Bala (2011); y Vengo (2014) donde destacan los temas Somos Sur y Antipatriarca con fuerte contenido político y música donde fusiona rap con instrumentos tradicionales.

Ana participó intensamente en las movilizaciones de la juventud chilena del año 2011.

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Els anys 90: Tan Dun – Los años 90: Tan Dun

EPÍLEG: ELS ANYS 90, CAP AL SEGLE XXI – EPÍLOGO: LOS AÑOS 90, HACIA EL SIGLO XXI

12 músics del canvi de segle – 12 músicos del cambio de siglo

Tan Dun

Tan Dun ( 譚盾 (谭盾) es un compositor de música clàssica contemporània i director d’orquestra xinès, resident a Nova York.

Va néixer l’any 1957 a la província de Hunan a la Xina central. De petit va conèixer la música tradicional xinesa del seu lloc natal. Quan la Revolució cultural va ser enviat a treballar a una comuna agrícola, on va crear un grup musical amb instruments primitius i objectes. Va escapar amb un grup teatral de la òpera de Pekin i es va traslladar a aquesta ciutat, on va estudiar composició al Conservatori amb professors com Toru Takemitsu, que va influir molt en la seva obra.

La obra de Tan Dun comprèn tant obres de concert com bandes sonores i altra música incidental, i integra la música clàssica contemporània, la creació multimèdia i les tradicions musicals orientals.

La seva primera Simfonia d’Internet (2008), que va ser encarregada per Google / YouTube, ha arribat a més de 15 milions de persones en línia. La seva trilogia de Música Orgànica d’Aigua, Paper i Ceràmica ha freqüentat grans sales de concerts i festivals. El seu treball multimèdia, The Map, estrenat per Yo Yo Ma i l’Orquestra Simfònica de Boston, ha recorregut més de 30 països arreu del món.

El seu teatre orquestral The Gate va ser estrenat per l’Orquestra Simfònica NHK de Japó i travessa els límits culturals de les tradicions del Teatre Pekín, l’òpera occidental i el teatre de titelles. Altres obres importants son la Simfonia 2000 Today (1999) encarregada per la cel.lebració del milenni, el Concert per a piano “El Foc” (2008), i la Passió de l’ Aigua, segons Sant Mateu (2012). També la música per la inauguració dels jocs olímpics de Pekin 2008, i les òperes Marco Polo (1996), Tea: A miror of soul, i The First Emperor (2006).

Però les seves obres més conegudes son les bandes sonores, en especial les dels films Don’t Cry, Nanking (1995), Tigre y dragón del director Ang Lee (2000) per la que va obtenir un premi Oscar, Hero del director Yang Zimou (2002) i The Banquet (2006).

Youtube Symphony Eroica Hong Kong Orchestra https://www.youtube.com/watch?v=3QW5BW6pyY8

Water music Simantra grup de percussió https://www.youtube.com/watch?v=pP8dUlLzT8U

Tigre y Dragón banda sonora fragment https://www.youtube.com/watch?v=vD7mt8F4Yiw

Hero banda sonora fragment https://www.youtube.com/watch?v=DBDuvCYplu0

The first emperor fragment Plácido Domingo NY Metropolitan Opera https://www.youtube.com/watch?v=LuQ99wCQ4LM

Four Secret Roads of Marco Polo Lang Lang piano, Yuan Li zengh https://www.youtube.com/watch?v=DJW9VQwynD0

The Gate fragment https://www.youtube.com/watch?v=ufVkpSeypnM

Simfonia 2000 Today BBC Orchestra https://www.youtube.com/watch?v=AtLGL8JLBBU

Musica pels jocs olimpics Beijing 2008 https://www.youtube.com/watch?v=Mg1EiLfQn3g

Tan Dun (譚盾 (谭盾) es un compositor de música clásica contemporánea y director de orquesta chino, residente en Nueva York.

Nació en 1957 en la provincia de Hunan en China central. De pequeño conoció la música tradicional china de su lugar natal. Cuando la Revolución cultural fue enviado a trabajar en una comuna agrícola, donde creó un grupo musical con instrumentos primitivos y objetos. Escapó con un grupo teatral de la ópera de Pekín y se trasladó a esta ciudad, donde estudió composición en el Conservatorio con profesores como Toru Takemitsu, que influyó mucho en su obra.

La obra de Tan Dun comprende tanto obras de concierto como bandas sonoras y otra música incidental, e integra la música clásica contemporánea, la creación multimedia y las tradiciones musicales orientales.

Su primera Sinfonía de Internet (2008), que fue encargada por Google/ YouTube, ha llegado a más de 15 millones de personas en línea. Su trilogía de Música Orgánica de Agua, Papel y Cerámica ha frecuentado grandes salas de conciertos y festivales. Su trabajo multimedia, The Map, estrenado por Yo-Yo Ma y la Orquesta Sinfónica de Boston, ha recorrido más de 30 países alrededor del mundo.

Su teatro orquestal The Gate fue estrenado por la Orquesta Sinfónica NHK de Japón y atraviesa los límites culturales de las tradiciones del Teatro de Pekín, la ópera occidental y el teatro de títeres. Otras obras importantes son la Sinfonía 2000 Today (1999) encargada para la celebración del Milenio, el Concierto para piano “El Fuego” (2008), y la Pasión del Agua, según San Mateo (2012). También la música para la inauguración de los juegos olímpicos de Pekin 2008, y las óperas Marco Polo (1996), Tea: A mirror of soul, y The First Emperor (2006).

Pero sus obras más conocidas son las bandas sonoras, en especial las de los filmes Do not Cry, Nanking (1995), Tigre y dragón del director Ang Lee (2000) por la que obtuvo un premio Oscar, Hero del director Yang Zimou (2002) y The Banquet (2006).

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Els anys 90: P J Harvey – Los años 90: P J Harvey

EPÍLEG: ELS ANYS 90, CAP AL SEGLE XXI – EPÍLOGO: LOS AÑOS 90, HACIA EL SIGLO XXI

12 músics del canvi de segle – 12 músicos del cambio de siglo

P J Harvey

Polly Jean Harvey, coneguda com P J Harvey, és una cantant, guitarrista, saxofonista i compositora britànica. Va començar la seva carrera als anys 80 en el grup Automatic Dlamini, i als 90 va seguir en solitari, amb els discos Dry (1992), Rid of Me (1993) i To bring you my love (1996), The Boatman’s Call (1997) i el més famos i premiat, Stories from the City, Stories from the Sea (2000), continuant la seva carrera als 2000 fins a avui dia.

Harvey fa un rock alternatiu amb elements del punk, la música electrònica i el folk. Als seus shows en directe cuida molt el seu aspecte en la línia de David Bowie. S’ha dit d’ella que és la successora de Patti Smith.

Entre altres col.laboracions, Harvey s’ha implicat en numerosos projectes com a compositora. Al gener de 2009, una nova producció de Hedda Gabler de Ibsen a Broadway va comptar amb la música incidental escrita per Harvey; al novembre de 2011, va composar part de la música per la producció de Hamlet pel Young Vic’s a London; i al maig de 2012, va composar dues cançons, “Horse” and “Bobby Don’t Steal,” pel film «This Film Called Love?» de Mark Cousins.

Rid of me en directe https://www.youtube.com/watch?v=73cY3ft7h5s

To bring you my love en directe https://www.youtube.com/watch?v=CFfmHFrAfb4

Good fortune del disc Stories from the City, Stories from the Sea 2000 https://www.youtube.com/watch?v=gDBZZ3uvimE

Kamikaze del mateix disc https://www.youtube.com/watch?v=uAj3OD7Lyi4

This wicked tongue en directe a Glastonbury 2001 https://www.youtube.com/watch?v=3AAkghiOJ0o

The wheel de l’àlbum The hope six demolition project 2016 https://www.youtube.com/watch?v=7ReW0jJkag8

The nightingale de l’àlbum Let’s England shake https://www.youtube.com/watch?v=5QEVD7VidnY

Polly Jean Harvey, conocida como P J Harvey, es una cantante, guitarrista, saxofonista y compositora británica. Comenzó su carrera en los años 80 en el grupo Automatic Dlamini, i en los 90 siguió en solitario, con los discos Dry (1992), Rid of Me (1993) i To bring you my love (1996), The Boatman’s Call (1997) y el más famoso y premiado, Stories from the City, Stories from the Sea (2000), continuado su carrera en los 2000 hasta hoy dia.

Harvey hace un rock alternativo con elementos del punk, la música electrónica y el folk. En sus shows en directo cuida mucho su aspecto en la línea de David Bowie. Se ha dicho de ella que es la sucesora de Patti Smith.

Entre otras colaboraciones, Harvey se ha implicado en numerosos proyectos como compositora. En Enero de 2009, una nueva producción de Hedda Gabler de Ibsen en Broadway contó con la música incidental escrita por Harvey; en Noviembre de 2011, compuso parte de la música para la producción de Hamlet para el Young Vic’s en London; y en mayo de 2012, compuso dos canciones, “Horse” y “Bobby Don’t Steal,” para el film «This Film Called Love?» de Mark Cousins.

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Els anys 90: context (part 4) – Los años 90: contexto (parte 4)

EPÍLEG: ELS ANYS 90, CAP AL SEGLE XXI – EPÍLOGO: LOS AÑOS 90, HACIA EL SIGLO XXI

Context polític, socioeconòmic, cultural i tecnològic – Contexto político, socioeconómico, cultural y tecnológico

Part 4: La creació musical: la dilució dels gèneres – Parte 4: La creación musical: la dilución de los géneros

A finals del segle XX i inicis del XXI es va accelerar el procés de fusió entre els diferents gèneres musicals (tant els històrics com els nous gèneres sorgits en el segle XX com el jazz o el pop) que ja s’havia anat produïnt al llarg del segle.

Des de els primers intents de fusió entre la música «clàssica» i les músiques populars folklòriques o contemporànies dels anys 20 i 30; passant per les fusions entre el pop-rock i altres gèneres -clàssica, jazz, flamenco- experimentades als anys 70 i 80; el segle, dins del camp de la música creativa, s’acabà amb un predomini dels músics que fusionaven varis gèneres en la seva obra. Això sense perjudici de l’existència d’una música industrial molt més ancorada en les velles divisions.

Exemples com la cantant Björk que fusionà cançons de cantautor amb pop electrònic i quartets de corda clàssics; el pianista Michel Camilo que tocava tant jazz com salsa o concerts clàssics; compositors «clàssics» com Oscar Golijov o Tan Dun que incorporaven el folklore dels seus països a les seves composicions de concert o de música de cinema; les fusions de flamenco i pop d’artistes com Camarón i Morente; la continuació de la «word music» que unia pop i música tradicional; els cantautors raperos; etc.etc.

Aquesta dilució-fusió dels gèneres al final del segle XX la va explicar molt bé el crític musical Alex Ross en el seu llibre «El ruido eterno. Escuchar al siglo XX a través de su música» que tantes vegades he citat en aquest «blog» i que em permeto transcriure:

«En los comienzos del siglo XXI, el afán de enfrentar la música clásica a la cultura pop ha dejado de tener sentido intelectual o emocional. Los compositores jóvenes han crecido con la música pop resonando en sus oídos, y se valen de ella o la ignoran según la ocasión. Están buscando el terreno intermedio entre la vida espiritual y el ruido de la calle. Asimismo, algunas de las más intensas reacciones a la música clásica contemporánea del siglo XX han surgido en el mundo del pop, definido en un sentido amplio. Las afinaciones microtonales de Sonic Youth, los opulentos diseños armónicos de Radiohead, las indicaciones de compás rápidamente cambiante del math rock y de la música dance inteligente, los arreglos orquestales elegíacos que apuntalan las canciones de Sufjan Stevens y Joanna Newson; todos ellos prosiguen esta conversació, que viene de antiguo, entre tradiciones clásicas y populares.

Björk es una artista pop moderna profundamente afectada por el repertorio clásico del siglo XX que asimiló en el conservatorio: las piezas electrónicas de Stockhausen, la música para órgano de Messiaen, el minimalismo espiritualista de Arvo Pärt. Si se escuchara a ciegas «An echo, a stain» de Björk en la que la cantante declama melodías fragmentarias sobre un suave cluster de voces corales, y se pasara a renglón seguido al ciclo de canciones «Ayre» de Osvaldo Golijov, en el que palpitantes ritmos de danza sostienen canciones multiétnicas de la España musulmana, podría concluirse que la de Björk es la composición clásica y que la de Golijov es algo diferente. Un posible destino para la música del siglo XXI es una «gran fusión» final: los artistas pop inteligentes y los compositores extravertidos hablando más o menos el mismo idioma.»

Dos fets més cal destacar en la música del canvi de segle. Per una part, la presència creixent de dones en la composició i creació musical, tant en la música acadèmica com en la popular i el pop i rock. Per altra, el desplaçament cada cop major del centre de composició i creació musical, desde Europa i els Estats Units cap a la resta del món, amb cada cop més pes de Llatinoamèrica i Àsia, i en menor mesura Àfrica.

A finales del siglo XX e inicios del XXI se aceleró el proceso de fusión entre los diferentes géneros musicales (tanto los históricos como los nuevos géneros surgidos en el siglo XX como el jazz o el pop) que ya se había ido produciendo a lo largo del siglo.

Desde los primeros intentos de fusión entre la música «clásica» y las músicas populares folklóricas o contemporáneas de los años 20 y 30; pasando por las fusiones entre el pop-rock y otros géneros -clásica, jazz, flamenco- experimentadas en los años 70 y 80; el siglo, dentro del campo de la música creativa, se acabó con un predominio de los músicos que fusionaban varios géneros en su obra. Esto sin perjuicio de la existencia de una música industrial mucho más anclada en las viejas divisiones.

Ejemplos como la cantante Björk que fusionó canciones de cantautor con pop electrónico y cuartetos de cuerda clásicos; el pianista Michel Camilo que tocaba tanto jazz como salsa o conciertos clásicos; compositores “clásicos” como Oscar Golijov o Tan Dun que incorporaban el folclore de sus países a sus composiciones de concierto o de música de cine; las fusiones de flamenco y pop de artistas como Camarón y Morente; la continuación de la «word music» que unía pop y música tradicional; los cantautores raperos; etc.etc.

Esta dilución-fusión de los géneros a finales del siglo XX la explicó muy bien el crítico musical Alex Ross en su libro «El ruido eterno. Escuchar al siglo XX a través de la música» que tantas veces he citado en este« blog y que me permito transcribir:

«En los comienzos del siglo XXI, el afán de enfrentar la música clásica a la cultura pop ha dejado de tener sentido intelectual o emocional. Los compositoras jóvenes han crecido con la música pop resonando en sus oídos, y se valen de ella o la ignoran según la ocasión. Están buscando el terreno intermedio entre la vida espiritual y el ruido de la calle. Asimismo, algunas de las más intensas reacciones a la música clásica contemporánea del siglo XX han surgido en el mundo del pop, definido en un sentido amplio. Las afinaciones microtonales de Sonic Youth, los opulentos diseños armónicos de Radiohead, las indicaciones de compás rápidamente cambiante del math rock y de la música dance inteligente, los arreglos orquestales elegiacos que apuntalan las canciones de Sufjan Stevens y Joanna Newson; todos ellos prosiguen esta conversación, que viene de antiguo, entre tradiciones clásicas y populares.

Björk es una artista pop moderna profundamente afectada por el repertorio clásico del siglo XX que asimila en el conservatorio: las piezas electrónicas de Stockhausen, la música para órgano de Messiaen, el minimalismo espiritualista de Arvo Pärt. Si se escuchara a ciegas “An echo, a stain» de Björk en la que la cantante declama melodías fragmentarias sobre un suave cluster de voces corales, y se pasara a renglón seguido al ciclo de canciones «Ayre» de Osvaldo Golijov, en el que palpitantes ritmos de danza sostienen canciones multiétnicas de la España musulmana, podría concluirse que la de Björk es la composiciones clásica y que la de Golijov es algo diferente. Un posible destino para la música del siglo XXI es una «gran fusión» final: los artistas pop inteligentes y los compositores extravertidos hablando más o menos el mismo idioma. »

Dos hechos más hay que destacar en la música del cambio de siglo. Por una parte, la presencia creciente de mujeres en la composición y creación musical, tanto en la música académica como en la popular y el pop y rock. Por otra, el desplazamiento cada vez mayor del centro de composición y creación musical, desde Europa y Estados Unidos hacia el resto del mundo, con cada vez más peso de Latinoamérica y Asia, y en menor medida África.

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Els anys 90: Enrique Morente – Los años 90: Enrique Morente

EPÍLEG: ELS ANYS 90, CAP AL SEGLE XXI – EPÍLOGO: LOS AÑOS 90, HACIA EL SIGLO XXI

Dotze músics del canvi de segle – Doce músicos del cambio de siglo

Enrique Morente

Enrique Morente (Granada, 25 de desembre de 1942 – Madrid, 13 de desembre de 2010) fou un «cantaor» espanyol, considerat com un dels grans renovadors del flamenco.

Va començar als anys 60 cantant a tablaos i penyes de flamenco de Madrid i després a tot Espanya. Als anys 70 i 80 es va consagrar com un dels grans del flamenco, actuant per tot el món i grabant els LP Homenaje a D. Antonio Chacón (1978) i Misa flamenca (1988) entre altres. També va començar la seva col.laboració amb orquestres simfòniques i la seva participació com a músic en espectacles teatrals. Va comptar amb els millors guitarristes com Pepe Habichuela, Manolo Sanlúcar i Gerardo Núñez.

A la dècada dels 90, com a obres més importants, va estrenar l’espectacle Allegro soleá (1992) amb la Orquestra Ciudad de Granada, va musicar la obra de teatre Edipo Rey dirigida per José Luis Gómez, i va participar en l’espectacle Macama Jonda de José Heredia Maya. També va adaptar al seus «cantes» poemes de Miguel Hernández, García Lorca, los Machado, Lope de Vega, Al-Mu’tamid, Bergamín, San Juan de la Cruz, Guillén, Rafael Alberti, Hierro, Luis Rius y Pedro Garfias.

L’any 1996 va grabar el famós disc Omega, en el que va participar el grup granadí de rock Lagartija Nick i contenia poemes musicats de García Lorca i versions de Leonard Cohen. Altres col.laboracions de Morente amb músics pop i rock van ser amb els grups Sonic Youth, Amaral, Sr. Chinarro i Los Planetas. També va fusionar el flamenco amb cantants del Nord d’Àfrica entre ells Cheb Khaled.

L’any 2000 va grabar un dels seus millors discos de flamenco clàssic, Nueva York-Granada, en el que va col.laborar amb el gran guitarrista Agustín Carbonell Sabicas poc abans de que aquest morís. L’any 2003 publicà l’avantguardista disc Pequeño reloj.

Malagueña de Chacón https://www.youtube.com/watch?v=7pZ_h9kmNXU

Nana de la cebolla sobre poema de Miguel Hernández https://www.youtube.com/watch?v=JcOu6VKBvXU

Morente y Lagartija Nick, del disc Omega: Aleluya sobre música de Leonard Cohen https://www.youtube.com/watch?v=T2j9Ps_bha4

Pequeño vals vienés sobre música de Leonard Cohen https://www.youtube.com/watch?v=gqwjjgDIkfE

Morente y Sabicas Fandangos https://www.youtube.com/watch?v=hK_Ik3lurMY

Morente y Sabicas La Malanga (guajira) https://www.youtube.com/watch?v=0nf8f6MrsMM

Enrique Morente i Cheb Khaled Sueña la Alhambra https://www.youtube.com/watch?v=XYYg7JQh00w

Reloj molesto (para Lula esperanza del Brasil) del disc Pequeño reloj https://www.youtube.com/watch?v=tFuPcop50Zc

Alegato contra las armas (sobre Claro de luna de Beethoven) https://www.youtube.com/watch?v=5hl8KQjy50Q

Enrique Morente (Granada, 25 de diciembre de 1942 – Madrid, 13 de diciembre de 2010) fue un «cantaor» español, considerado como uno de los grandes renovadores del flamenco.

Comenzó en los años 60 cantando en tablaos y peñas de flamenco de Madrid y luego en toda España. En los años 70 y 80 se consagró como uno de los grandes del flamenco, actuando por todo el mundo y grabando los LP Homenaje a D. Antonio Chacón (1978) y Misa flamenca (1988) entre otros. También comenzó su colaboración con orquestas sinfónicas y su participación como músico en espectáculos teatrales. Contó con los mejores guitarristas como Pepe Habichuela, Manolo Sanlúcar y Gerardo Núñez.

En la década de los 90, como obras más importantes, estrenó el espectáculo Allegro soleá (1992) con la Orquesta Ciudad de Granada, puso música la obra de teatro Edipo Rey dirigida por José Luis Gómez, y participó en el espectáculo Macama Jonda de José Heredia Maya. También adaptó a sus «cantes» poemas de Miguel Hernández, García Lorca, los Machado, Lope de Vega, Al-Mu’tamid, Bergamín, San Juan de la Cruz, Guillén, Rafael Alberti, Hierro, Luis Rius y Pedro Garfias.

En 1996 grabó el famoso disco Omega, en el que participó el grupo granadino de rock Lagartija Nick y contenía poemas musicados de García Lorca y versiones de Leonard Cohen. Otras colaboraciones de Morente con músicos pop y rock fueron con los grupos Sonic Youth, Amaral, Sr. Chinarro y Los Planetas. También fusionó el flamenco con cantantes del Norte de África entre ellos Cheb Khaled.

En el año 2000 grabó uno de sus mejores discos de flamenco clásico, Nueva York-Granada, en el que colaboró ​​con el gran guitarrista Agustín Carbonell «Sabicas» poco antes de que éste muriera. En 2003 publicó el vanguardista disco Pequeño reloj.

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