Els anys 60: el jazz – Los años 60: el jazz

MÚSIQUES DEL SEGLE XX – MÚSICAS DEL SIGLO XX

ELS ANYS 60 – LOS AÑOS 60

1960-1969

El jazz

El jazz dels anys 60 va veure l’eclosió del free-jazz, estil fill del bebop i resposta al cool, que portava als límits l’atonalisme i la improvitsació en el jazz. En efecte, s’abandonava del tot la sujecció a esquemes harmònics i rítmics (enriquint-se però l’aspecte melòdic), i tots els instruments improvitsaven col.lectivament.

També enllaçava amb el bebop en reivindicar de nou la negritud com a senyal d’identitat del jazz. Per això va ser la música de fons de la tendència més radical de la revolta dels negres USA (el «black power») i molts dels seus creadors van militar en aquest moviment.

El creador més conegut d’aquest estil va ser el saxofonista Ornette Coleman, que a principis de la dècada va donar nom a l’estil en el disc Free Jazz: a col.lective improvisation by the Ornette Coleman double quartet (1960), amb els músics Don Cherry i Freddie Hubbard (trompeta), Eric Dolphy (clarinet), Charlie Haden i Scott LaFaro (cbaix), i Bill Higgins i Ed Blackwell (bateria). Ja abans havia anticipat el free-jazz en altres gravacions (Change of the century 1959 amb Cherry, Haden i Higgins).

Altres figures del free-jazz van ser el pianista Cecil Taylor, gran innovador del seu instrument (The world of Cecil Taylor 1960); el també pianista George Russell; els saxos Archie Shepp i Albert Ayler; i el pianista i director d’orquestra Sun-Ra.

Ornette Coleman: Ramblin’ de l’àlbum Change of the century  https://www.youtube.com/watch?v=kqwdRBWvPs0

Free jazz àlbum complert https://www.youtube.com/watch?v=xbZIiom9rDA

Cecil Taylor: Conquistador 1ª part https://www.youtube.com/watch?v=e_VthdlXvp0

Archie Sheep: Poem for Malcom X https://www.youtube.com/watch?v=y5NlJ-DLhSY

The Sun Ra Arkestra: Door of the cosmos https://www.youtube.com/watch?v=87FDctNdUOw

Cas a part va ser el saxofonista John Coltrane, que havia tocat cool amb Miles Davis i en els anys 60 va fer una música que barrejava el cool, el free-jazz i l’influència de la musica hindú, i sobre tot va desenvolupar la tècnica del saxo tenor i el saxo soprà influint en tots els saxofonistes posteriors (My favourite things 1960, Afroblue 1963, A love supreme 1964, Ascension 1965, Naïma 1966 i Expression i Offering 1967). Van tocar amb Coltrane els músics McCoy Tyner (piano), Elvin Jones (bateria), Jim Garrison (cbaix), Pharoah Sanders i Archie Sheep (saxo) i Freddie Hubbard (trompeta).

Mentres tant, el trompetista Miles Davis va continuar la seva carrera als 60, amb un quartet format per Herbie Hancock (piano), Wayne Shorter (saxo), Ron Carter (cbaix) i Tony Williams (bateria) que feia una música eclèctica bebop-cool-free-jazz d’un nivell compositiu i tècnic molt alt, amb LPs com ESP, Miles Smiles o Nefertiri (1964-68). Cap al final de la dècada, Davis va fer un nou canvi, amb un grup electrificat amb Chick Corea al piano, Dave Holland al contrabaix i Jack DeJonette a la bateria, de més a més de Shorter, i va iniciar la fusió entre el jazz i el pop en els discos In a silent Way i Bitches Brew (1969), que va continuar en la dècada següent.

John Coltrane: My favorite things en directe https://www.youtube.com/watch?v=1kPXw6YaCEY

A love supreme versió en directe https://www.youtube.com/watch?v=_qt435yF2Qg

Offering https://www.youtube.com/watch?v=FKu2V11oXTM

Miles Davis: ESP de l’LP del mateix nom https://www.youtube.com/watch?v=eSG9RJI0Mn0

Nefertiri de l’LP del mateix nom https://www.youtube.com/watch?v=qeJ9NEyxk8I

Sanctuary de l’LP Bitches Brew https://www.youtube.com/watch?v=eV4FiRb19ZY

Però alguns dels vells mestres del swing i del bebop continuaren gravant. Així, Louis Armstrong, Duke Ellington, Thelonius Monk, Dizzy Gillespie i Charles Mingus entre altres van publicar gravacions als anys 60. Destacar el disc gravat conjuntament per Armstrong i Ellington (1961); el disc antològic Money Jungle (1962) gravat per Ellington i Mingus amb Max Roach que es va convertir en un clàssic; el gravat per Ellington amb l’avantguardista John Coltrane (Duke Ellington & John Coltrane 1962); i el discos de Mingus (gran compositor, contrabaixista i activista pels drets dels negres) The Town Hall concert (1962) i The black saint and the sinner lady (1963).

També als 60 es va popularitzar la fusió entre el jazz i la música brasilenya, en l’estil anomenat «bossa-nova», de la mà dels músics de jazz Stan Getz i Charlie Byrd i dels músics brasilenys Joao Gilberto, Antonio Carlos Jobim i Astrud Gilberto.

Ellington, Mingus & Roach: Money Jungle de l’LP del mateix nom https://www.youtube.com/watch?v=mE4kPbMwXbA

Fleurette africaine id. https://www.youtube.com/watch?v=QGowJd-eJOM

Charles Mingus: The black saint and the sinner lady complet https://www.youtube.com/watch?v=zFA0FYQo0Gg

Freedom de l’LP Town Hall concert https://www.youtube.com/watch?v=O9BqdhhFUsc

Stan Getz, Joao i Astrud Gilberto: Corcovado https://www.youtube.com/watch?v=CMM2tgnzNhw

The girl from Ipanema https://www.youtube.com/watch?v=CMM2tgnzNhw

El jazz de los años 60 vio la eclosión del free jazz, estilo hijo del bebop y respuesta al cool, que llevaba a los límites el atonalismo y la improvisación en el jazz. En efecto, se abandonaba del todo la sujeción a esquemas armónicos y rítmicos (enriqueciéndose pero el aspecto melódico), y todos los instrumentos improvisaban colectivamente.

También enlazaba con el bebop en reivindicar de nuevo la negritud como señal de identidad del jazz. Por ello fue la música de fondo de la tendencia más radical de la revuelta de los negros USA (el “black power”) y muchos de sus creadores militaron en este movimiento.

El creador más conocido de este estilo fue el saxofonista Ornette Coleman, que a principios de la década dio nombre al estilo en el disco Free Jazz: a col.lective improvisación by the Ornette Coleman double quartet (1960), con los músicos Don Cherry y Freddie Hubbard (trompeta), Eric Dolphy (clarinete), Charlie Haden y Scott LaFaro (cbaix), y Bill Higgins y Ed Blackwell (batería). Ya antes había anticipado el free jazz en otras grabaciones (Change of the century 1959 con Cherry, Haden y Higgins).

Otras figuras del free jazz fueron el pianista Cecil Taylor, gran innovador de su instrumento (The world of Cecil Taylor 1960); el también pianista George Russell; los saxos Archie Shepp y Albert Ayler; y el pianista y director de orquesta Sun-Ra.

Caso aparte fue el saxofonista John Coltrane, que había tocado cool con Miles Davis y en los años 60 hizo una música que mezclaba el cool, el free jazz y la influencia de la música hindú, y sobre todo desarrolló técnica del saxo tenor y el saxo soprano influyendo en todos los saxofonistas posteriores (My favourite things 1960, Afroblue 1963, A love supreme 1964, Ascensión 1965, Naïma 1966 y Expression y Offering 1967). Tocaron con Coltrane los músicos McCoy Tyner (piano), Elvin Jones (batería), Jim Garrison (cbaix), Pharoah Sanders y Archie Sheep (saxo) y Freddie Hubbard (trompeta).

Mientras tanto, el trompetista Miles Davis continuó su carrera en los 60, con un cuarteto formado por Herbie Hancock (piano), Wayne Shorter (saxo), Ron Carter (cbaix) y Tony Williams (batería) que hacía una música ecléctica bebop- cool-free jazz de un nivel compositivo y técnico muy alto, con LPs como ESP, Miles Smiles o Nefertiri (1964 hasta 68). Hacia el final de la década, Davis hizo un nuevo cambio, con un grupo electrificado con Chick Corea en el piano, Dave Holland al contrabajo y Jack DeJonette a la batería, además de Shorter, e inició la fusión entre el jazz y el pop en los discos In a silent Way y Bitches Brew (1969), que continuó en la década siguiente.

Pero algunos de los viejos maestros del swing y del bebop continuaron grabando. Así, Louis Armstrong, Duke Ellington, Thelonius Monk, Dizzy Gillespie y Charles Mingus entre otros publicaron grabaciones en los años 60. Destacar el disco grabado conjuntamente por Armstrong y Ellington (1961); el disco antológico Money Jungle (1962) grabado por Ellington y Mingus con Max Roach que se convirtió en un clásico; el grabado por Ellington con el vanguardista John Coltrane (Duke Ellington & John Coltrane 1962); y los discos de Mingus (gran compositor, contrabajista y activista por los derechos de los negros) The Town Hall concert (1962) y The black saint and the sinner lady (1963).

También en los 60 se popularizó la fusión entre el jazz y la música brasileña, en el estilo llamado “bossa-nova», de la mano de los músicos de jazz Stan Getz y Charlie Byrd y los músicos brasileños Joao Gilberto, Antonio Carlos Jobim y Astrud Gilberto.

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Els anys 60: el flamenco – Los años 60: el flamenco

MÚSIQUES DEL SEGLE XX – MÚSICAS DEL SIGLO XX

ELS ANYS 60 – LOS AÑOS 60

1960-1969

El flamenco

Durant quasi tres dècades (dels anys 30 als 50 del segle XX), el flamenco, que havia viscut anys d’esplendor a finals del segle XIX i principis del XX amb grans figures com Antonio Chacón, Manuel Torre, Manuel Vallejo, Tomás Pavón, Pastora Pavón «La Niña de los Peines», Manolo Caracol, Juan Talega, Pepe el de la Matrona, Tía Anita la Piriñaca , Pericón de Cádiz i tants d’altres, es va allunyar de la seva essència de cant popular expressiu de les penes i alegries de les classes populars andaluses (i, específicament, dels gitanos).

En efecte, va predominar l’estil denominat «òpera flamenca», on el els estils de cante bàsics (seguirillas soleares, etc) van perdre importància front als aflamencats o folklòrics (fandangos, sevillanas, etc.), el «rajo» dels cantaores va ser substituït per les floritures vocals, la guitarra per el piano o l’orquestra, i el cafè o la taverna per els escenaris dels teatres de revista. La dictadura de Franco va ajudar a aquesta degradació, al incorporar aquest flamenco degradat al nacional-folklorisme que expressava els seus valors culturals, i al prohibir qualsevol cultura que expressés directa o indirectament la queixa per les condicions de les classes populars.

Tanmateix, a finals de la dècada dels 50 i durant els anys 60, un cop la dictadura anava relaxant el seu control sobre la cultura i l’art, es va produïr un moviment de reivindicació i recuperació del flamenco autèntic.

Aquest moviment es va vehicular mitjançant els concursos de cante flamenco (continuant la iniciativa del concurs de Granada organitzat per Lorca i Falla l’any 1922, el primer de la nova època va ser el concurs de Córdoba de 1956); per les reunions i festivals que s’organitzaren periòdicament en moltes ciutats i pobles andalusos (els més coneguts el Potaje Gitano de Utrera i la Reunión de cante flamenco de Puebla de Cazalla); per l’activitat de les «peñas flamencas» que van sorgir a molts barris andalusos i de les ciutats receptores de l’emigració andalusa com Madrid i Barcelona; mitjançant la publicació de llibres i estudis (el més important, el publicat al 1963 per l’escriptor Ricardo Molina i el cantaor Antonio Mairena Mundo y formas del cante flamenco); i per la publicació de gravacions discogràfiques dels mestres antics vius o dels nous cantaores, entre les que destacaren la Antología del cante flamenco editada per Hispavox al 1955, i el Archivo del cante flamenco editat per Vergara al 1969 sota la direcció de José Manuel Caballero Bonald.

Entre els músics que van destacar en aquesta resurrecció del cante jondo, cal destacar al cantaor Antonio Mairena, que va mantenir el caliu del cante autèntic durant els anys de plom, va fer de pont entre la vella generació i la nova, i als 60 va publicar gravacions fonamentals. Sovint va gravar acompanyat del guitarrista Melchor de Marchena, que va ser un altra figura fonamental en el manteniment de les essències del flamenco.

A partir d’ells va sorgir una generació de cantaores com Antonio Fernández «Fosforito», Juan el Lebrijano, Antonio Núñez «Chocolate», José Menese, Diego Clavel, Fernanda y Bernada de Utrera, Paquera de Jerez, Luis Torres Joselero, María Vargas i Enrique Morente.

Pel que fa als guitarristes, noms com Agustín Carbonell «Sabicas», Diego del Gastor, Pedro el del Lunar, Parrilla de Jerez, Paco Cepero, Pepe Habichuela, Pedro Bacán, Manuel Morao i Enrique de Melchor van ser els més importants.

Element fonamental del flamenco com és el «baile» també va ressorgir amb artistes com Carmen Amaya, Manuela Carrasco, Enrique el Cojo, Antonio Gades, Matilde Coral i Merche Esmeralda.

I un vehicle important foren també alguns espectacles teatrals-musicals, com Quejío de la companyia La Cuadra de Sevilla, i Camelamos Naquerar de Mario Maya.

Antonio Mairena:  Liviana  https://www.youtube.com/watch?v=ASwt2QlhNDk

Seguiriyas https://www.youtube.com/watch?v=0F-2GDpjYSc

Bulerías guit. Manuel Morao  https://www.youtube.com/watch?v=aBX89EHujvE

Soleares guit. Melchor de Marchena  https://www.youtube.com/watch?v=oq0M-KvTs9o

Cantiñas guit. Melchor de Marchena https://www.youtube.com/watch?v=no385yUuivo

Fosforito: Petenera guit. Enrique de Melchor https://www.youtube.com/watch?v=gDRa1KsIubw

La Paquera de Jerez: Tangos guit. Parrilla de Jerez https://www.youtube.com/watch?v=T2xFgwBIATM

Chocolate: Seguiriyas  https://www.youtube.com/watch?v=ZS496Lh6F5s

Fernanda de Utrera: Soleá guit. Diego el del Gastor https://www.youtube.com/watch?v=PKMpAjL9Lrg

María Vargas:  Alegrías guit. Curro de Jerez   https://www.youtube.com/watch?v=MOAZiZ92CmI

José Menese: Farruca guit. Enrique de Melchor https://www.youtube.com/watch?v=trABVQebNLY

Enrique Morente:  Taranta guit. Sabicas https://www.youtube.com/watch?v=mhV3-Iq7J9w

Fernanda y Bernarda de Utrera: Fiesta por bulerías guit. Pedro Bacán https://www.youtube.com/watch?v=Cvicxra9y04

Durante casi tres décadas (de los años 30 a los 50 del siglo XX), el flamenco, que había vivido años de esplendor a finales del siglo XIX y principios del XX con grandes figuras como Antonio Chacón, Manuel Torre, Manuel Vallejo, Tomás Pavón, Pastora Pavón “La Niña de los Peines”, Manolo Caracol, Juan Talega, Pepe el de la Matrona, Tía Anita la piriñaca, Pericón de Cádiz y tantos otros, se alejó de su esencia de canto popular expresivo de las penas y alegrías de las clases populares andaluzas (y, específicamente, de los gitanos).

En efecto, predominó el estilo denominado «ópera flamenca», donde los estilos de cante básicos (seguirillas soleares, etc) perdieron importancia frente a los aflamencados o folclóricos (fandangos, sevillanas, etc.), el «rajo» de los cantaores fue sustituido por las florituras vocales, la guitarra por el piano o la orquesta, y el café o la taberna por los escenarios de los teatros de revista. La dictadura de Franco ayudó a esta degradación, al incorporar este flamenco degradado al nacional-folclorismo que expresaba sus valores culturales, y al prohibir cualquier cultura que expresara directa o indirectamente la queja por las condiciones de las clases populares.

Sin embargo, a finales de la década de los 50 y durante los años 60, una vez que la dictadura iba relajando su control sobre la cultura y el arte, se produjo un movimiento de reivindicación y recuperación del flamenco auténtico.

Este movimiento se vehiculó mediante los concursos de cante flamenco (continuando la iniciativa del concurso de Granada organizado por Lorca y Falla en 1922, el primero de la nueva época fue el concurso de Córdoba de 1956); por las reuniones y festivales que se organizaron periódicamente en muchas ciudades y pueblos andaluces (los más conocidos el Potaje Gitano de Utrera y la Reunión de cante flamenco de Puebla de Cazalla); por la actividad de las «peñas flamencas» que surgieron en muchos barrios andaluces y de las ciudades receptoras de la emigración andaluza como Madrid y Barcelona; mediante la publicación de libros y estudios (el más importante, el publicado en 1963 por el escritor Ricardo Molina y el cantaor Antonio Mairena Mundo y formas del cante flamenco); y por la publicación de grabaciones discográficas de los maestros antiguos vivos o los nuevos cantaores, entre las que destacaron la Antología del cante flamenco editada por Hispavox en 1955, y el Archivo del cante flamenco editado por Vergara en 1969 bajo la dirección de José Manuel Caballero Bonald .

Entre los músicos que destacaron en esta resurrección del cante jondo, cabe destacar al cantaor Antonio Mairena, que mantuvo el calor del cante auténtico durante los años de plomo, hizo de puente entre la vieja generación y la nueva, y en los 60 publicó grabaciones fundamentales. A menudo grabó acompañado del guitarrista Melchor de Marchena, que fue otra figura fundamental en el mantenimiento de las esencias del flamenco.

A partir de ellos surgió una generación de cantaores como Antonio Fernández «Fosforito», Juan el Lebrijano, Antonio Núñez «Chocolate», José Menese, Diego Clavel, Fernanda y Bernada de Utrera, Paquera de Jerez, Luis Torres Joselero, Chano Lobato,  María Vargas y Enrique Morente.

En cuanto a los guitarristas, nombres como Agustín Carbonell “Sabicas”, Diego del Gastor, Pedro el del Lunar, Parrilla de Jerez, Paco Cepero, Pepe Habichuela, Pedro Bacán, Manuel Morao y Enrique de Melchor fueron los más importantes.

Elemento fundamental del flamenco como es el baile también resurgió con artistas como Carmen Amaya, Manuela Carrasco, Enrique el Cojo, Antonio Gades, Matilde Coral y Merche Esmeralda.

Y un vehículo importante fueron también algunos espectáculos teatrales-musicales, como Quejío de la compañía La Cuadra de Sevilla, y Camelamos Naquerar de Mario Maya.

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Els anys 60: la música de teatre i cinema . Los años 60: la música de teatro y cine

MÚSIQUES DEL SEGLE XX – MÚSICAS DEL SIGLO XX

ELS ANYS 60 – LOS AÑOS 60

1960-1969

La musica de teatre i de cinema- La música de teatro y de cine

Els anys 60 no foren gaire destacables pel teatre musical, que en general visqué de l’estil dels anys 50 a l’espera de la renovació que representà el musical rock als 70.

En efecte, als teatres de Broadway i del West End hi va haver continüitat amb els 50 amb els musicals Golfus de Roma (1962) i Anyone can whistle (1964) del gran Stephen Sondheim, El violinista en el tejado (1963) i Hello Dolly (1964) de Jerry Herman , Funny Girl (1964) de July Stine, i El hombre de La Mancha (1965) de Mitch Leigh.

Cas excepcional fou el musical Cabaret de John Kander i Fred Ebb, una recreació del Berlin dels anys 30 que fou innovador i des de la seva estrena al 1966 es representà per tot el món en diverses versions, a part de la seva famosa versió cinematogràfica de 1972.

L’any 1967, l’estrena a l’off-Broadway de Hair, de Rado-Ragni-McDermot, inicià el musical rock que continuà als 70 amb Jesucrist Superstar i Rocky Horror Show.

Sí es van produïr grans films musicals, molts d’ells a partir d’èxits del teatre. Alguns d’ells foren: la versió cinematogràfica de West Side Story (1961) de Robert Wise amb la música excepcional de Leonard Bernstein; Mary Poppins (1964) de Robert Stevenson amb música de Richard Sherman; My fair lady (1964) de George Cukor amb música de Frederic Loewe; The sounds of music (1965)de Robert Wise amb música de Rodgers-Hammerstein; Camelot (1967) de Joshua Logan amb música de Frederick Loewe; Chitti Chitti bang bang (1968) de Ken Hughes amb música de Richard Sherman; i Hello Dolly (1969) de Gene Kelly amb música de Jerry Herman.

Jerry Herman: Tema de Hello Dolly! canten Barbra Streisand i Louis Armstrong https://www.youtube.com/watch?v=BIEDN1rehD4

Kander-Ebb: Fragments de Cabaret

Wilkommen per Joel Grey vesió film anys 70 https://www.youtube.com/watch?v=yQn8vPOCnp4

Main Herr per Rachelle Rak versió Broadway anys 70 https://www.youtube.com/watch?v=AR1t7cSPsTg

Leonard Bersntein: temes del film West Side Story:

América  http://www.youtube.com/watch?v=NPlcE3GcoF

Tonight http://www.youtube.com/watch?v=5_QffCZs-bg

Rodgers-Hammerstein: Fragment de The sounds of music amb Julie Andrews https://www.youtube.com/watch?v=pLm07s8fnzM

Frederick Loewe: Lusty month of may de Camelot amb Vanessa Redgrave https://www.youtube.com/watch?v=cg4YrOlAkds

Pel que fa a les bandes sonores, als anys 60 es començà a utilitzar la música pop i rock i els instruments elèctrics, junt amb la tocada per orquestres simfòniques típica dels 40 i 50.

Així es veia en bandes sonores de films USA o britànics com Psycho (1960) de Alfred Hitchcock amb música de Bernard Herrmann; Breakfast at Tiffany’s (1961) i La pantera rosa (1963) de Blake Edwards amb música de Henry Mancini; Matar un ruiseñor (1962) de Robert Mulligan i La gran evasión 1963 de John Sturges amb música de Elmer Bernstein; Cleopatra (1963) de Joseph Mankiewitz amb música d’Alex North; i Goldfinger (1964) de Guy Hamilton amb música de John Barry. Cas apart fou la banda sonora de 2001 A space odyssey (1968) de Stanley Kubrick en la que utilitzà música de compositors com Strauss i Ligeti.

També cal destacar els films en els que la banda sonora era de músics de pop i rock, com les que els Beatles van fer per A hard day’s night (1964) i Help! (1965) de Richard Lester; la de Easy Ryder (1969) de Dennis Hopper on utilitzà música de Jimi Hendrix, The Band i altres grups rock; i la de The graduate (1967) de Mike Nichols on la música era de Simon & Garfunkel.

En les filmografies d’altres països, destacaren les bandes sonores de films italians com Dos mujeres (1960) i Matrimonio a la italiana (1964) de Vittorio de Sica amb música de Armando Trovaioli; La dolce vita (1960), 8 1/2 (1963) i Satyricon (1968) de Federico Fellini amb música de Nino Rota; La muerte tenía un precio (1965) i El bueno, el feo y el malo (1966) de Sergio Leone amb música de Ennio Morricone; Blow Up (1966) de Michelangelo Antonioni amb música de Herbie Hankcok; i La caída de los dioses (1969) de Luchino Visconti amb música de Maurice Jarre.

També van destacar, al Japó la banda sonora avantguardista de La mujer de arena (1964) de Hiroshi Teshigara amb música de Toru Takemitsu; al Brasil la de Deus e o diablo na terra do sol (1964) de Glauber Rocha amb música de Heitor Villalobos i Sergio Ricardo; a Grècia la de Z (1969) de Costa-Gavras amb música de Mikis Theodorakis; i a Espanya la de La caza (1965) de Carlos Saura amb música de Luis de Pablo.

Bernard Herrmann: BS de Psycho escena de la dutxa https://www.youtube.com/watch?v=8VP5jEAP3K4

Henry Mancini: Suite de Breakfast at Tiffanys http://www.youtube.com/watch?v=ZnqnlVLK8dA

Tema de La pantera rosa https://www.youtube.com/watch?v=jBupII3LH_Q

John Barry: tema de Goldfinger canta Shirley Bassey  https://www.youtube.com/watch?v=Fy_PJODH3p0

Györg Ligeti: Fragments del Requiem BS de 2001 an space oddysey https://www.youtube.com/watch?v=b7sJwiZhdvw

Simon & Garfunkel: Mrs. Robinson cançó del film The Graduate https://www.youtube.com/watch?v=9C1BCAgu2I8

Nino Rota: tema de 8 1/2 https://www.youtube.com/watch?v=nWqC6kRCLjI

Ennio Morricone: tema de El bueno, el feo y el malo https://www.youtube.com/watch?v=2Yfuo-VomlY

Toru Takemitsu: música de La mujer de arena https://www.youtube.com/watch?v=WODbLjG4kzw

Mikis Theodorakis: fragment BS de Z   https://www.youtube.com/watch?v=PV2n1MFhehs

 

Los años 60 no fueron muy destacables para el teatro musical, que en general vivió del estilo de los años 50 a la espera de la renovación que representó el musical rock a los 70.

En efecto, en los teatros de Broadway y del West End hubo continuidad con los 50 con los musicales Golfus de Roma (1962) y Anyone can whistle (1964) del gran Stephen Sondheim, El violinista en el tejado (1963) y Hello Dolly (1964) de Jerry Herman, Funny Girl (1964) de July Stine, y El hombre de La Mancha (1965) de Mitch Leigh.

Caso excepcional fue el musical Cabaret de John Kander y Fred Ebb, una recreación del Berlín de los años 30 que fue innovador y desde su estreno en 1966 se representó por todo el mundo en varias versiones, aparte de su famosa versión cinematográfica de 1972.

En 1967, el estreno en el off-Broadway de Hair, de Rado-Ragni-McDermot, inició el musical rock que continuó en los 70 con Jesucristo Superstar y Rocky Horror Show.

Sí se produjeron grandes filmes musicales, muchos de ellos a partir de éxitos del teatro. Algunos de ellos fueron: la versión cinematográfica de West Side Story (1961) de Robert Wise con la música excepcional de Leonard Bernstein; Mary Poppins (1964) de Robert Stevenson con música de Richard Sherman; My fair lady (1964) de George Cukor con música de Frederic Loewe; The sounds of music (1965) de Robert Wise con música de Rodgers-Hammerstein; Camelot (1967) de Joshua Logan con música de Frederick Loewe; Chitti Chitti bang bang (1968) de Ken Hughes con música de Richard Sherman; y Hello Dolly (1969) de Gene Kelly con música de Jerry Herman.

En cuanto a las bandas sonoras, en los años 60 se empezó a utilizar la música pop y rock y los instrumentos eléctricos, junto con la tocada por orquestas sinfónicas típica de los 40 y 50.

Así se vió en bandas sonoras de filmes USA o británicos como Psycho (1960) de Alfred Hitchcock con música de Bernard Herrmann; Breakfast at Tiffany ‘s (1961) y La pantera rosa (1963) de Blake Edwards con música de Henry Mancini; Matar un ruiseñor (1962) de Robert Mulligan y La gran evasión 1963 de John Sturges con música de Elmer Bernstein; Cleopatra (1963) de Joseph Mankiewitz con música de Alex North; y Goldfinger (1964) de Guy Hamilton con música de John Barry. Caso aparte fue la banda sonora de 2001 A space odyssey (1968) de Stanley Kubrick en la que utilizó música de compositores como Strauss y Ligeti.

También cabe destacar los filmes en los que la banda sonora era de músicos de pop y rock, como las que los Beatles hicieron para A hard day s night (1964) y Help! (1965) de Richard Lester; la de Easy Ryder (1969) de Dennis Hopper donde utilizó música de Jimi Hendrix, The Band y otros grupos rock; y la de The graduate (1967) de Mike Nichols donde la música era de Simon & Garfunkel.

En las filmografías de otros países, destacaron las bandas sonoras de filmes italianos como Dos mujeres (1960) y Matrimonio a la italiana (1964) de Vittorio de Sica con música de Armando Trovaioli; La dolce vita (1960), 8 1/2 (1963) y Satyricon (1968) de Federico Fellini con música de Nino Rota; La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966) de Sergio Leone con música de Ennio Morricone; Blow-Up (1966) de Michelangelo Antonioni con música de Herbie Hankcok; y La caída de los dioses (1969) de Luchino Visconti con música de Maurice Jarre.

También destacaron, en Japón la banda sonora vanguardista de La mujer de arena (1964) de Hiroshi Teshigara con música de Toru Takemitsu; en Brasil la de Deus eo diablo na tierra do sol (1964) de Glauber Rocha con música de Heitor Villalobos y Sergio Ricardo; en Grecia la de Z (1969) de Costa-Gavras con música de Mikis Theodorakis; y en España la de La caza (1965) de Carlos Saura con música de Luis de Pablo.

 

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Els anys 60: cantautors – Los años 60: cantautores

MÚSIQUES DEL SEGLE XX – MÚSICAS DEL SIGLO XX

ELS ANYS 60 – LOS AÑOS 60

1960-1969

Cantautors – Cantautores

1. La segona generació de la «chanson»

Als anys 60, la llavor sembrada per la «chanson» francesa als anys 50 va germinar donant lloc a fenòmens paral.lels en altres països. Al mateix temps, a USA i Llatinoamèrica es produïren fenòmens de recuperació del folklore associats als moviments de protesta i d’alliberament dels pobles.

Tanmateix, a França la «chanson» continuà donant grans cançons i intèrprets.

Per una banda, els clàssics dels 50 seguiren creant, cantant i gravant: George Brassens (Les trompettes de la renommée 1962, Supplique pour être enterré á la Plage de Sète 1966), Jacques Brel (Les bourgeois 1962, Jacques Brel 1967), Léo Ferré ( Avec le temps 1970) i Charles Aznavour (La Bohème 1965).

Georges Brassens:  Mourir pour del idées  https://www.youtube.com/watch?v=iZpNgSaYWts

Jacques Brel:  L’amour est mort   https://www.youtube.com/watch?v=D0pVH5gbPck

Léo Ferré: Avec le temps  http://www.youtube.com/watch?v=1hTQe_M72CY

Charles Aznavour:  La bohème  https://www.youtube.com/watch?v=xzdxyhng1RU

I una nova generació es donà a conèixer continuant als seus predecessors si bé influenciats també per el pop i el rock anglosaxons.

La més interessant fou Barbara, gran compositora i cantant que s’acompanyava al piano, que ja havia començat als 50 però que explotà als 60 amb cançons com Á mourir pour mourir, Ma plus belle histoire d’amour, Nantes, Gottingen, La solitude i la més coneguda L’aigle noir .

Altres foren Jean Ferrat (amb cançons com Des enfants au soleil i Nuit et brouillard i les seves versions de poemes de Louis Aragon), Anne Sylvestre i Georges Moustaky (amb el seu gran èxit Le méteque).

BarbaraÁ mourir pour mourir  versió en català Guillermina Motta  https://www.youtube.com/watch?v=_WgOIct1jCM

Ma plus belle histoire d’amour  https://www.youtube.com/watch?v=qjetz4xJZ9o

L’aigle noir https://www.youtube.com/watch?v=kwTFAWwAHaA

Jean Ferrat: Heureux qui meurt d’aimer  poema de Louis Aragon  https://www.youtube.com/watch?v=xXFpRZMdLc4

Georges Moustaky: Le méteque  https://www.youtube.com/watch?v=AYww9sGKwkw

2. El «folk» a USA i Bob Dylan

S’anomena «folklore» a tot manifestació artística tradicional o pròpia d’un poble, ètnia o grup humà. En anglès, «folk song» vol dir cançó tradicional. Tanmateix, amb aquest nom o el més breu de «folk» s’anomenà el moviment musical que es produí en els anys 40, 50 i 60 del segle XX als Estats Units d’Amèrica, amb dues característiques principals:

– La recuperació o recreació de la música tradicional del país (creada als segles XVIII i XIX per la barreja de totes les músiques populars que aportaren els diversos pobles que arribaren al pas durant la seva formació).

– L’expressió en cançons de les idees i reivindicacions de l’esquerra política, predominantment l’anarquisme, el socialisme i el comunisme fins a la segona guerra mundial, i el pacifisme i la reivindicació dels drets dels negres en la postguerra.

En la primera meitat del segle, la música dels negres (en especial el gospel i el blues) va ser quasi la única que expressava reivindicacions socials, en la boca de músics de blues com Leadbelly i Sonny Terry i excepcionalment de jazz (com en el cas de la famosa cançó antisegregacionista Strange fruit de Billie Holiday). Amb l’excepció de dos músics blancs: el legendari Joe Hill (del que no han quedat grabacions), i Woody Guhtrie, que des de la seva primera gravació (Dust Bowl Ballads 1939 en la que evocaba l’èxode de camperols de la Gran Depressió), passant per les dels anys 40 i 50 (I ain’t no home, Do re mi, Pastures of Plenty, Cocaine Blues i la més famosa This land is your land) fins a la seva mort al 1967, va ser el patriarca del folk blanc i va inspirar als folk-singers dels 60 (Bob Dylan el primer que li va dedicar la seva cançó Song to Woody).

Ja als anys 50 aparegué una nova generació de cantants folk, el més veterà dels quals fou Pete Seeger, que primer amb els grups The Almanac Singers (amb els que va gravar el famós disc de cançons del bàndol republicà de la guerra civil espanyola, en el que van lluitar molts membres de l’esquerra estadounidenca en les Brigades Internacionals), i The Weawers, i després en solitari (acompanyant-se amb el banjo o la guitarra) va gravar cançons com We shall overcome, If I had a hammer, Where are all the flowers gone, Turn, turn, turn i altres que foren himnes de les manifestacions pels drets civil i contra la guerra dels anys 60.

Leadbelly: House of the rising sun  https:// ps://www.youtube.com/watch?v=wxiMrvDbq3s

Woody Guhtrie: This land is your land  https://www.youtube.com/watch?v=wxiMrvDbq3s

Do re mi  https://www.youtube.com/watch?v=46mO7jx3JEw

Pete Seeger: Viva la quince brigada (amb The Almanac Singers) https://www.youtube.com/watch?v=vnzwXVpZGrA

What did you learn in school today? https://www.youtube.com/watch?v=VucczIg98Gw

We shall overcome    https://www.youtube.com/watch?v=RJUkOLGLgwg

Però és als anys 60, i al calor d’aquests moviments socials i d’aconteixements musicals com el festival folk de Newport, quan aparegué la generació jove del folk, amb cantants com Joan Baez, Peter Paul and Mary, Odetta, Tom Paxton, Phil Ochs, Judy Collins, Gordon Lightfoot, Richie Havens i Arlo Guthrie (fill de Woody), i sobre tot el músic més original i popular de tots ells i que mereix un tractament a part: Bob Dylan.

Bob Dylan va nèixer a un poblet de Minessota i, després de viatjar per tot el país, es va radicar al Greenwich Village de Nova York on va destacar en els clubs de folk, amb la seva veu nasal, la manera personal de tocar la guitarra i la harmònica, i sobre tot la gran qualitat poètica de les seves lletres, fins que va triomfar al festival de Newport i a USA i tot el món amb els seus LP Bob Dylan 1962, The freewelin’ 1963 (amb la famosa cançó Blowin’ in the wind), Mister Bob Dylan 1963 (el més políticament compromès, amb la cançó The times they are-a-changin ), Another side of Bob Dylan 1964.

Però l’any 1965, quan ja era la primera figura del folk, va fer un gir a la seva música, presentant-se a Newport acompanyat d’un grup de rock electrificat (que va provocar escàndol entre els puristes del folk), tipus d’acompanyament que també va incloure als seus LP Subterranean Homesick Blues (1965 amb Mister Tambourine Man), Higway 61 revisited (1965 on hi havia la famosa cançó Like a rolling stone que amb una música i una lletra de gran qualitat va ser nº 1 de les llistes a tot el món), i Blonde on blonde (1966 on s’accentuà el caràcter surrealista de les lletres). Aquest gir va anar acompanyat del seu allunyament de l’activisme polític i un nou caràcter com a estrella del rock-and-roll que venia milions de discos.

Però després de dos anys allunyat dels escenaris per un accident de moto, va fer un altre tomb, acostant-se de nou al folk però en la seva versió «country-and-western» que a la ciutat de Nashville tenia una gran tradició i quin músic punter era Johnny Cash. En aquest estil va treure els discos John Wesley Harding 1967, Nashville Skyline 1969 i Self Portrait 1970.

La carrera de Dylan va continuar als 70, 80, 90 i al segle XXI (encara avui treu grabacions i actua en directe), consolidant-se com un dels grans de la música popular, sorprenent sempre als seus fans amb versions inesperades dels seus èxits, i composant noves cançons sempre amb lletres i músiques de gran qualitat.

Joan Baez: Donna,donna  https://www.youtube.com/watch?v=BqzGZ5AaeSs

Odetta canta Masters of war de Bob Dylan https://www.youtube.com/watch?v=38dOYW7-B0E

Tom Paxton: Lyndon Johnson told the nation https://www.youtube.com/watch?v=qTyqoV1d2Ys

Bob Dylan: Blowin in the wind  https://www.youtube.com/watch?v=vWwgrjjIMXA

Mr. Tambourine Man  https://www.youtube.com/watch?v=OeP4FFr88SQ

Like a rolling stone (fragment del film No direction home) https://www.youtube.com/watch?v=l2iVujdEa6A

I want you https://www.youtube.com/watch?v=xzA1KDxKXZw

Lady lay lay https://www.youtube.com/watch?v=rWz88VY-FkA

3. La cançó popular llatinoamericana

En paral.lel als moviments socials populars (tant pacífics com armats) que es van desenvolupar a Llatinoamèrica als anys 60 en contra de l’imperialisme dels USA i prenent com a model la revolució cubana, es va crear un moviment de reivindicació de la cançó popular autòctona, fugint dels models del pop USA i a partir del folklore de cada país.

Ja als anys 50 aquest moviment va tenir precedents en l’argentí Atahualpa Yupanqui, gran guitarrista i compositor, autor de clàssics com Los ejes de mi carreta, Camino del indio, Duerme negrito, Las preguntitas i altres dels que s’han fet moltes versions; i la xilena Violeta Parra, autora de composicions com Gracias a la vida, Porqué los pobres no tienen, La carta i altres que també van ser objecte de múltiples versions (sobre tot Gracias a la vida per cantautors de tot el món).

Atahualpa Yupanqui: Camino del indio https://www.youtube.com/watch?v=AoSjq31K3aM

Preguntitas sobre Dios https://www.youtube.com/watch?v=ko2cF6BkpD4

Violeta Parra: Gracias a la vida https://www.youtube.com/watch?v=UW3IgDs-NnA

La carta https://www.youtube.com/watch?v=NUAfWKLX438

Paloma ausente  https://www.youtube.com/watch?v=sJxDb-z3fO0

Als anys 60 va sorgir tota una generació de cantautors llatinoamericans, que alguns anomenaren «nueva canción», entre els que podem citar als argentins Mercedes Sosa, Jorge Cafrune i Facundo Cabral; els brasilenys Chico Buarque i Milton Nascimento; els xilens Angel Parra, Víctor Jara, Quilapayun i Inti Illimani; els cubans Carlos Puebla i els components de «La nueva trova cubana» (Noel Nicola, Silvio Rodríguez, Pablo Milanés i altres); els uruguaians Daniel Viglietti, Alfredo Zitarrosa i Los Olimareños; i el nicaraguenc Carlos Mejía Godoy. Generació que fou callada als anys 70 per les dictadures que van usurpar el poder en molts països (amb el resultat de l’exili o la presó de molts i de l’assassinat d’alguns com Víctor Jara) i que ressorgí als anys 80 un cop foragitades aquelles dictadures.

Mercedes Sosa: Sólo le pido a Dios https://www.youtube.com/watch?v=SIrot1Flczg

Jorge Cafrune: Zambra de mi esperanza  https://www.youtube.com/watch?v=eP1kaJexkgI

Chico Buarque i Milton Nascimento: Que sera https://www.youtube.com/watch?v=WJ7t3rl5qmo

Quilapayun: El pueblo unido jamas será vencido https://www.youtube.com/watch?v=LWlkWPXfvXc

Víctor Jara: Te recuedo Amanda https://www.youtube.com/watch?v=GRmre8ggkcY

Carlos Puebla: Hasta siempre comandante  https://www.youtube.com/watch?v=GPCnWJHx6xw

Silvio Rodríguez: La era está pariendo un corazón https://www.youtube.com/watch?v=u-B5-HSvJD8

Pablo Milanés: Yo pisaré las calles nuevamente https://www.youtube.com/watch?v=e92-HUbGBSo

Daniel Viglietti: Canción para mi América https://www.youtube.com/watch?v=jgLCf07CNus

Los Olimareños: Angelitos negros https://www.youtube.com/watch?v=9FLWnX1iLY4

4. La «nova cançó» catalana

Als països de llengua catalana, la dictadura de Franco, de més a més de comportar la repressió política, social i cultural comú amb la resta d’Espanya, va significar la repressió de la seva llengua i la seva cultura pròpies.

Als anys 60, com a consequència del moviments de resistència a aquesta repressió i de la relativa obertura del règim, la cultura catalana va avançar en la seva recuperació. Dins d’aquest ressorgiment, un grup d’intel.lectuals i activistes es van proposar recuperar la cançó popular en català, en el moviment que s’anomenà la «nova cançó catalana».

Aquesta nova cançó es va basar, en part en la cançó modernista i noucentista d’abans de la guerra (la dels Apel.les Mestres, Vives, Morera, Toldrà,…….) i sobre tot en la «chanson» francesa, que a Catalunya estava molt present per la proximitat geogràfica i cultural.

La nova cançó va ser iniciada en la primera dècada els 60 pel grup de cantautors Els Setze Jutges, que composaren i cantaren cançons musicalment senzilles acompanyades per guitarra i molt influïdes per la cançó francesa. Membres d’aquest grup foren alguns com Miquel Porter, Josep Mª Espinàs, Remei Margarit i Enric Barbat (que ho deixaren quan el moviment estigué consolidat) o altres com Francesc Pi de la Serra i Guillermina Motta, que tingueren una carrera llarga i professional. Fora dels Setze Jutges, sorgiren altres cantautors en català, el més destacat dels quals fou el valencià Raimon, que va crear cançons emblemàtiques del moviment antifranquista com Al vent, Diguem no, D’un temps d’un païs i moltes altres, i va musicar molt encertadament poemes de Ausiàs March i altres poetes en llengua catalana.

A la segona meitat dels 60, els cantautors catalans es professionalitzaren, i aparegué una nova generació de la que els més destacats foren la mallorquina Maria del Mar Bonet, el valencià Ovidi Montllor i el català Lluïs Llach.

Miquel Porter: La cançó de la taverna  https://www.youtube.com/watch?v=7_Yak1kng2M

Francesc Pi de la Serra:  L’home del carrer     https://www.youtube.com/watch?v=wj6ykXfG71A

Guillermina Motta canta Ells vells amants de Jacques Brel https://www.youtube.com/watch?v=qD6pybTPtTA

Raimon: Al vent https://www.youtube.com/watch?v=BI7HLSjx3Lw

Jo vinc d’un silenci  https://www.youtube.com/watch?v=jueN81usd40

Veles e vents  https://www.youtube.com/watch?v=kTrXHvrvo2I

Maria del Mar Bonet: Mercè  https://www.youtube.com/watch?v=OW35P9UXqwc

Ovidi Montllor: Perquè vull https://www.youtube.com/watch?v=2gml0q9cxso

Lluïs Llach: Que tinguem sort https://www.youtube.com/watch?v=PrEJ5eXva4g

Cas apart fou Joan Manuel Serrat, que començà cantant en català als Setze Jutges, però que es destacà desseguida fent una cançó popular i de qualitat a la vegada, publicà els discos amb les cançons Ara que tinc vint anys (1966) i Cançó de matinada (1967) que de més a més de ser èxits a Catalunya el va donar a conèixer a tota Espanya, i a partir de 1968 començà a publicar també cançons en castellà, llengua en la que es consagrà l’any 1969 amb l’LP A Antonio Machado. Encara que per cantar en castellà fou refusat per una part del moviment nacionalista català, continuà publicant en català i castellà durant tota la seva llarga carrera que encara segueix avui en dia.

Joan Manuel Serrat: Cançó de bressol  https://www.youtube.com/watch?v=626uKKd5F5E

La tieta  https://www.youtube.com/watch?v=mhPzt1D3fjM

Pare  https://www.youtube.com/watch?v=w7F7oYD1q90

Cantares  https://www.youtube.com/watch?v=QHcypSLIp_A

 

1. La segunda generación de la «chanson»

En los años 60, la semilla sembrada por la «chanson» francesa en los años 50 germinó dando lugar a fenómenos paralelos en otros países. Al mismo tiempo, en USA y Latinoamérica se produjeron fenómenos de recuperación del folclore asociados a los movimientos de protesta y de liberación de los pueblos.

Sin embargo, en Francia la “chanson” continuó dando grandes canciones e intérpretes.

Por un lado, los clásicos de los 50 siguieron creando, cantando y grabando: George Brassens (Les trompettes de la Renommée 1962, Supplique pour être enterré á la Plage de Sète 1966), Jacques Brel (Las burgués 1962, Jacques Brel 1967), Léo Ferré (Avec le temps 1970) y Charles Aznavour (La Bohème 1965).

Y un nueva generación se dio a conocer, continuando a sus predecesores si bien influenciados también por el pop y el rock anglosajones.

La más interesante fue Barbara, gran compositora y cantante que se acompañaba al piano, que ya había comenzado en los 50 pero que explotó en los 60 con canciones como Á mourir pour mourir, Ma plus belle histoire d’amour, Nantes, Gottingen, La solitude y la más conocida L’aigle noir.

Otros fueron Jean Ferrat (con canciones como Des enfants au soleil y Nuit et brouillard y sus versiones de poemas de Louis Aragón), Anne Sylvestre y Georges Moustaky (con su gran éxito Le métèque).

2. El «folk» en USA y Bob Dylan

Se llama «folclore» a toda manifestación artística tradicional o propia de un pueblo, etnia o grupo humano. En inglés, «folk song» significa canción tradicional. Sin embargo, con este nombre o el más breve de «folk» se llamó el movimiento musical que se produjo en los años 40, 50 y 60 del siglo XX en los Estados Unidos de América, con dos características principales:
– La recuperación o recreación de la música tradicional del país (creada en los siglos XVIII y XIX por la mezcla de todas las músicas populares que aportaron los diversos pueblos que llegaron al país durante su formación).
– La expresión en canciones de las ideas y reivindicaciones de la izquierda política, predominantemente el anarquismo, el socialismo y el comunismo hasta la segunda guerra mundial, y el pacifismo y la reivindicación de los derechos de los negros en la posguerra.

En la primera mitad del siglo, la música de los negros (en especial el gospel y el blues) fue casi la única que expresaba reivindicaciones sociales, en la boca de músicos de blues como Leadbelly y Sonny Terry y excepcionalmente de jazz (como en el caso de la famosa canción antisegregacionista Strange fruit de Billie Holiday). Con la excepción de dos músicos blancos: el legendario Joe Hill (del que no han quedado grabaciones), y Woody Guhtrie, que desde su primera grabación (Dust Bowl Ballads 1939 en la que evocaba el éxodo de campesinos de la Gran depresión), pasando por las de los años 40 y 50 (I is not way to home, Don re mi, Pastures of Plenty, Cocaine Blues y la más famosa This land is your land) hasta su muerte en 1967, fue el patriarca del folk blanco e inspiró a los folk-singers de los 60 (Bob Dylan le dedicó su canción Song to Woody).

Ya en los años 50 apareció una nueva generación de cantantes folk, el más veterano de los cuales fue Pete Seeger, que primero con los grupos The Almanac Singers (con los que grabó el famoso disco de canciones del bando republicano de la guerra civil española, en el que lucharon muchos miembros de la izquierda estadounidense en las Brigadas Internacionales), y The Weawers, y luego en solitario (acompañándose con el banjo o la guitarra) grabó canciones como We shall overcome, If I had a hammer, where are all the flowers gone, Turn, turn, turn y otras que fueron himnos de las manifestaciones por los derechos civiles y contra la guerra de los años 60.

Pero es en los años 60, y al calor de estos movimientos sociales y de acontecimientos musicales como el festival folk de Newport, cuando apareció la generación joven del folk, con cantantes como Joan Baez, Peter Paul and Mary, Odetta, Tom Paxton, Phil Ochs, Judy Collins, Gordon Lightfoot, Richie Havens y Arlo Guthrie (hijo de Woody), y sobre todo el músico más original y popular de todos ellos y que merece un tratamiento aparte: Bob Dylan.

Bob Dylan nació en un pueblo de Minessota y, después de viajar por todo el país,
se radicó en el Greenwich Village de Nueva York donde destacó en los clubes de folk, con su voz nasal, la forma personal de tocar la guitarra y la armónica, y sobre todo la gran calidad poética de sus letras, hasta que triunfó en el festival de Newport y en USA y todo el mundo con sus LP Bob Dylan 1962, The freewelin ‘1963 (con la famosa canción Blowin’ in the wind), Mister Bob Dylan 1963 (el más políticamente comprometido, con la canción The times they are-a-Changin), Another side of Bob Dylan 1964.

Pero en 1965, cuando ya era la primera figura del folk, dio un giro a su música, presentándose en Newport acompañado de un grupo de rock electrificado (lo que provocó escándalo entre los puristas del folk), tipo de acompañamiento que también incluyó en sus LP Subterranean Homesick Blues (1965 con Mister Tambourine Man), Higway 61 revisited (1965 donde estaba la famosa canción Like a rolling stone que con una música y una letra de gran calidad fue nº 1 de las listas en todo el mundo), y Blonde on blonde (1966 donde se acentuó el carácter surrealista de las letras). Este giro fue acompañado de su alejamiento del activismo político y un nuevo carácter como estrella del rock and roll que venía millones de discos.

Pero después de dos años alejado de los escenarios por un accidente de moto, hizo otro giro, acercándose de nuevo al folk pero en su versión «country-and-western» que en la ciudad de Nashville tenía una gran tradición y cuyo músico puntero era Johnny Cash. En este estilo sacó los discos John Wesley Harding 1967, Nashville Skyline 1969 y Self Portrait 1970.

La carrera de Dylan continuó en los 70, 80, 90 y en el siglo XXI (aún hoy saca grabaciones y actúa en directo), consolidándose como uno de los grandes de la música popular, sorprendiendo siempre a sus fans con versiones inesperadas de sus éxitos y componiendo nuevas canciones siempre con letras y músicas de gran calidad.


3. La canción popular latinoamericana

En paralelo a los movimientos sociales populares (tanto pacíficos como armados) que se desarrollaron en Latinoamérica en los años 60 en contra del imperialismo de USA y tomando como modelo la revolución cubana, se creó un movimiento de reivindicación de la canción popular autóctona, huyendo de los modelos del pop USA ya partir del folclore de cada país.

Ya en los años 50 este movimiento tuvo precedentes en el argentino Atahualpa Yupanqui, gran guitarrista y compositor, autor de clásicos como Los Ejes de mí carreta, Camino del indio, Duerme negrito, Las preguntitas y otros de los que se han hecho muchas versiones ; y la chilena Violeta Parra, autora de composiciones como Gracias a la vida, Porqué los pobres no tienen, La carta y otros que también fueron objeto de múltiples versiones (sobre todo Gracias a la vida por cantautores de todo el mundo).

En los años 60 surgió toda una generación de cantautores latinoamericanos, que algunos llamaron “nueva canción”, entre los que podemos citar a los argentinos Mercedes Sosa, Jorge Cafrune y Facundo Cabral; los brasileños Chico Buarque y Milton Nascimento; los chilenos Angel Parra, Víctor Jara, Quilapayun e Inti Illimani; los cubanos Carlos Puebla y los componentes de «La nueva trova cubana” (Noel Nicola, Silvio Rodríguez, Pablo Milanés y otros); los uruguayos Daniel Viglietti, Alfredo Zitarrosa y Los Olimareños; y el nicaragüense Carlos Mejía Godoy. Generación que fue callada en los años 70 por las dictaduras que usurparon el poder en muchos países (con el resultado del exilio o la cárcel de muchos y del asesinato de algunos como Víctor Jara) y que resurgió en los años 80 un vez expulsadas aquellas dictaduras.

4. La “nueva canción» catalana

En los países de lengua catalana, la dictadura de Franco, además de conllevar la represión política, social y cultural común con el resto de España, significó la represión de su lengua y su cultura propias.

En los años 60, como consecuencia de los movimientos de resistencia a esta represión y de la relativa apertura del régimen, la cultura catalana avanzó en su recuperación. Dentro de este resurgimiento, un grupo de intelectuales y activistas se propusieron recuperar la canción popular en catalán, en el movimiento que se llamó la “nova cançó catalana».

Esta nueva canción se basó en parte en la canción modernista y novecentista de antes de la guerra (la de los Apel·les Mestres, Vives, Morera, Toldrà, …….) y sobre todo en la “chanson» francesa, que en Cataluña estaba muy presente por la proximidad geográfica y cultural.

La nueva canción fue iniciada en la primera década de los 60 por el grupo de cantautores Els Setze Jutges, que compusieron y cantaron canciones musicalmente sencillas acompañadas por guitarra y muy influidas por la canción francesa. Miembros de este grupo fueron algunos como Miquel Porter, Josep Mª Espinàs, Remei Margarit y Enric Barbat (que lo dejaron cuando el movimiento estuvo consolidado) u otros como Francesc Pi de la Serra y Guillermina Motta, que tuvieron una carrera larga y profesional. Fuera de los Setze Jutges, surgieron otros cantautores en catalán, el más destacado de los cuales fue el valenciano Raimon, que creó canciones emblemáticas del movimiento antifranquista como Al vent, Diguem no, D’un temps d’un país y muchas otras, y musicó muy acertadamente poemas de Ausiàs March y otros poetas en lengua catalana.

En la segunda mitad de los 60, los cantautores catalanes se profesionalizaron, y apareció una nueva generación de la que los más destacados fueron la mallorquina Maria del Mar Bonet, el valenciano Ovidi Montllor y el catalán Lluís Llach.

Caso aparte fue Joan Manuel Serrat, que comenzó cantando en catalán en los Setze Jutges, pero que se destacó enseguida haciendo una canción popular y de calidad a la vez, publicó los discos con las canciones Ara que tinc vint anys (1966) y Cançó de matinada (1967) que además de ser éxitos en Cataluña lo dieron a conocer en toda España, y a  partir de 1968 empezó a publicar también canciones en castellano, lengua en la que se consagró en 1969 con el LP A Antonio Machado. Aunque por cantar en castellano fue rechazado por una parte del movimiento nacionalista catalán, continuó publicando en catalán y castellano durante toda su larga carrera que aún sigue hoy en día.

 

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Els anys 60: el pop i el rock – Los años 60: el pop y el rock

MÚSIQUES DEL SEGLE XX – MÚSICAS DEL SIGLO XX

ELS ANYS 60 – LOS AÑOS 60

1960-1969

 

El pop i el rock – El pop y el rock

1. El naixement d’un nou gènere musical

Encara que en la segona dècada dels anys 50, als USA i a alguns països occidentals ja existia una música orientada al públic jove (que en el capítol dels anys 50 hem anomenat pop primitiu i rock primitiu), aquesta música sovint estava interpretada per músics adults, formava part de la indústria de l’espectacle en general i els seus promotors, mànagers i discogràfiques eren els mateixos que els de la música d’entreteniment per a adults.

No fou fins als anys 60 que sorgí una música per als joves interpretada exclusivament per joves i amb un entorn (productors, mànagers, dissenyadors, empreses discogràfiques, etc.) format també predominantment per joves. Això donà una llibertat creativa als músics que permeté la creació d’un gènere musical nou, la música pop-rock.

Socialment, com ja s’ha dit, el nou gènere i les seves expressions, superant el caràcter de mera música d’entreteniment, fou un dels principals, si no el principal, vehicle d’expressió de la revolta dels joves dels anys 60. A això contribuí la identificació entre els músics i el públic (que tenien la mateixa edat i vestien amb la mateixa moda) i el nou tipus de mànagers (joves i integrats en el grup musical, exemples dels que serien Brian Epstein dels Beatles o Andrew Loog Oldham dels Rolling Stones).

Musicalment, la música pop-rock partí del rock primitiu dels anys 50 (que al seu torn begué del blues, el bebop, el rhytm-and-blues, el soul i el rock-and-roll negres, en definitiva de la música afroamericana). L’expressió explícita de la sexualitat del rock-and-roll (als anys 50 limitada als circuits de música per a negres) lligà molt bé amb la nova música jove com un element més de la rebel.lió contra els pares. Així, el pop-rock prengué del rock primitiu el caràcter basat en el ritme i ballable de la música, el protagonisme de les guitarres elèctriques i de la bateria en la instrumentació, i la temàtica de les lletres on predominaven els temes que preocupaven als «teenagers» (la sexualitat i la rebel.lió contra el món dels pares).

Però un altra característica del pop-rock fou la seva capacitat de síntesi i absorció d’influències d’altres estils, com els standards i balades i altres elements del jazz, la música folk anglesa i americana, els cantautors (el que aportà una major qualitat de les lletres), la música culta (tant simfònica com electrònica), la música popular d’altres països (hindú, africana, etc.).

A partir d’aquests elements inicials, el pop-rock es consolidà com a gènere, evolucionà durant el que restava del segle XX i el segle XXI, superà el seu caràcter de música per als joves, i arribà a ser a partir dels 70 la música predominant en la indústria musical. Evolució que, simplificant, es pot dir que es mogué sempre entre dos extrems: la fidelitat als estils originals de blues, rhytm-and-blues i rock’n roll (que es pot exemplificar en els Rolling Stones o en el «punk»), i l’evolució integrant altres estils i allunyant-se del seu origen (que es pot exemplificar en els Beatles o en el rock progressiu).

Encara que l’audiència de la música pop dels 60 fou la joventut de tot el món (d’acord amb el caràcter universal que hem destacat en la rebel.lió juvenil), els seus creadors principals foren músics i grups britànics i dels USA, i la llengua de les seves lletres quasi exclusiva fou l’anglès. Això feu que aquest idioma substituís al francès en l’avantguarda musical ( i fou aprofitat també per a reforçar l’imperialisme cultural dels USA). Tanmateix, als anys 70 i següents s’acabà amb aquesta exclusivitat i es desenvoluparen músiques pop i rock en altres llengües.

2. El cicle britànic 1962-1965

Foren els grups britànics dels primers anys 60, formats per joves o adol.lescents, i sobre tot a dues ciutats (Londres i Liverpool), els que crearen aquesta nova música, que en principi s’anomenà «beat» per el nom del grup més conegut i definidor d’aquesta música: The Beatles.

Els Beatles eren de Liverpool, ciutat anglesa on, pel seu caràcter portuari, arribaven molts discos de rhytm-and blues i de rock’n roll del USA. Precisament d’aquests estils era sobre tot la música que feien en les seves actuacions inicials, junt amb algunes balades i composicions «skiffle» (folk anglès). Els dos líders i compositors del grup eren John Lennon (més rocker, dur i dissonant harmònicament) i Paul McCartney (més crooner, melodista i clàssic harmònicament), que es complementaven molt bé. El grup, en la seva formació definitiva (abans hi passaren Stu Sutcliffe i Pete Best) el completaren el guitarra George Harrison i el bateria Ringo Starr. Amb aquesta formació actuaren els anys 1960 al 1962 als clubs locals de Liverpool (el més conegut The Cavern) i a Hamburg.

A partir de que s’incorporés el «manager» Brian Epstein i que signessis contracte discogràfic amb EMI, van anar introduint cada cop més composicions del tàndem Lennon -McCartney, i definint el seu estil en el que junt amb la base rock’n roll afegien una personal manera d’utilitzar les harmonies vocals («europea» al subratllar el mode -major o menor- de la composició allunyant-se de l’ambigüitat modal del blues). Així, l’any 1963 aconseguiren els seus dos primers nº 1 de les llistes angleses (Please, please me i She loves you), i publicaren els seus dos primers Lps; i l’any 1964 publicaren l’ LP A hard day’s night, feren la pel.lícula amb el mateix nom, i feren una gira americana amb la que aconseguiren copar els primers llocs de les llistes angleses i americanes i que la «beatlemania» es consagrés a nivell mundial.

En els seus treballs de l’any 1965 ( l’LP Help i la pel.lícula del mateix nom i l’LP Rubber soul) continuaren perfeccionant el seu estil, en paral.lel amb l’augment de les vendes i l’èxit de les seves gires i concerts en directe.

Però a partir de l’LP Revolver de 1966, i sobre tot en els publicats al 1967, el single amb Strawberry Fields Forever i Penny Lane i l’LP Sargent Pepper’s Lonely Hearts Club Band, les composicions dels Beatles (ara amb major participació de Harrison com a compositor) feren un gir, allunyant-se del pop original i evolucionant cap a una música amb més ambicions artístiques, en la que junt amb el canvi en la temàtica de les lletres (que de parlar dels temes dels «teenagers» passaren a expressar preocupacions ideològiques i socials), la música incorporà elements del folk, de la música de càmera (incorporant quartets de corda), de la música electrònica (com la manipulació de les grabacions i el «collage»), del «music-hall», del rock psicodèlic i de la música hindú; tornant-se més complexa. La mateixa concepció dels LP, que en els seus primers era una suma de cançons, canvià a una obra total, sobre tot en l’LP Sgt. Peppers que era com una simfonia pop.

Segons el crític Nik Cohn, amb el Sgnt. Pepper’s els Beatles van deixar de fer pop-rock i van passar a fer música que pretenia ser Art amb majúscula (fet que ell, «fan» del pop britànic del 60s, valorà negativament). Tanmateix, donada la seva immensa popularitat, van tenir el valor de fer popular i digerible per la indústria l’experimentació dins del rock, obrint el camí a molts altres músics que van emprendre camins semblants durant la segona meitat dels 60 i els 70.

A partir d’aquest disc (i de la mort de Brian Epstein i el deixar d’actuar en directe), els Beatles van començar un procés de dissolució que va culminar amb la seva separació l’any 1970, fent entre mig els LP Beatles (conegut com «disc blanc», 1968), Abbey Road (1969) i Let it be (1970), en els que ja no funcionaven com a grup i eren sumes de composicions individuals de Lennon, McCartney i Harrison.

The Beatles: She loves you   https://www.youtube.com/watch?v=Te5KoX3hQz4

A hard day’s night  https://www.youtube.com/watch?v=Ag8_cfmjdD4

Nowhere man  https://www.youtube.com/watch?v=J0WVSNb2GjQ

Yesterday  https://www.youtube.com/watch?v=S09F5MejfBE

Penny Lane  https://www.youtube.com/watch?v=tGQgEAZztK4

Strawberry fields forever  https://www.youtube.com/watch?v=nehRB1FTeTo

Sgnt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band  https://www.youtube.com/watch?v=Xj2bmQ4P4cM

A day in the life   https://www.youtube.com/watch?v=P-Q9D4dcYng

Here comes the sun  https://www.youtube.com/watch?v=BxzEeKfpyIg

Across the universe   https://www.youtube.com/watch?v=PN9n1bAahg4

Get back  https://www.youtube.com/watch?v=qzRRAgAjGTo

Però el pop britànic no es limità als Beatles. Durant els anys del 62 al 65, sorgiren al Regne Unit gran quantitat de grups que contribuïren a definir el pop com a gènere. Els més importants foren els Rolling Stones i The Who, i en un segon nivell The Kinks.

Els Rolling Stones van disputar als Beatles la primacia en el pop-rock britànic. El grup liderat pel carismàtic cantant Mick Jagger i format també per Keith Richards (guitarra i compositor junt amb Jagger), Brian Jones (guitarra que després de la seva mort al 1969 va ser substituït per altres guitarres i finalment per Ron Wood), Charlie Watts (bateria) i Bill Wyman (baix), van començar actuant als clubs de Londres, i eren oposats als Beatles en quasi tot: amb una música inspirada en el blues i el rhytm-and-blues, una posta en escena més agressiva i provocadora per a la societat del pares, una continuïtat estilística (front a l’evolució dels Beatles) que els va fer ser sempre iguals a ells mateixos, i una longevitat personal i com a grup (encara avui estan en actiu amb més de 70 anys d’edat).

Durant els anys 60, en els seus discos (el 1er LP amb Not fade away i It’s all over now al 1964; el segon amb Satisfaction, el seu gran èxit i un dels rock millors de la història, al 1965; els singles Get off my cloud, 19 nervous breakdown i Paint it black i l’LP Aftermath al 1966; els LP Betwen the buttons i Their Satanic Majestic Request (en el que es van apartar del seu estil per intentar fer rock psicodèlic) del 1967; l’LP Beggar’s Banquet al 1968 (pot ser el millor); i l’LP Let it bleed al 1969; i les seves gires i actuacions en directe (que van provocar grans escàndols i aldarulls), els van consolidar com el grup més influent del pop després dels Beatles.

The Rolling Stones:  It’s all over now  https://www.youtube.com/watch?v=lYXpspbTFOk

Satisfaction https://www.youtube.com/watch?v=HoxRFOr_sQ0

Gett of my cloud https://www.youtube.com/watch?v=YlhPRuAve8k

Mother’s little helper https://www.youtube.com/watch?v=13olfeD026g

Back street girl   https://www.youtube.com/watch?v=H_MuRq19KTI

Shympathy for the devil  https://www.youtube.com/watch?v=vBecM3CQVD8

Love in vain (Robert Johnson) https://www.youtube.com/watch?v=ryRDcE2sB2A

Salt of the earth  https://www.youtube.com/watch?v=P2bxix3vFYM

The Who van ser els tercers en discòrdia. Formats pel guitarrista i compositor Pete Townshend, el cantant Roger Daltrey, el baix John Entwhistle i el bateria Keith Moon, van sorgir de l’ambient «mod» de Londres i van crear un estil de rock’n roll evolucionat i molt personal (marcat sobre tot pel geni de Pete Townshend) i de molta qualitat tant en les músiques com en les lletres. Cançons com My generation, Substitute, Mary Anne with the shaky hand, I’m a boy, Tatoo i I can see for miles, i els LP My generation (1966), A kick One i The Who sell out (1967), i sobre tot la magistral òpera-rock Tommy (1969), obra de gran qualitat i amb la que Townshend composà una obra de llarga durada sense apartar-se dels codis del pop-rock, ni ser pretenciosa com passà més tard amb el rock simfònic. També tenien un espectacular show en directe, que van mostrar en les seves actuacions als festivals de Monterrey Pop (1967), de Woodstock (1969), de Wight (1970) i de Leeds (del que va sortir l’LP Live at Leeds 1970).

The Who: My generation https://www.youtube.com/watch?v=qN5zw04WxCc

I’m a boy  https://www.youtube.com/watch?v=GgOyqdN2SaE

I can see for miles  https://www.youtube.com/watch?v=kb5mRBMZbYo

Tommy disc complert  https://www.youtube.com/watch?v=fpDw3s7XJKo

The Kinks, el grup protagonitzat pels germans Ray Davies (guitarra, cantant i compositor) i Dave Davies (guitarra), durant els anys 60 van tenir alguns èxits com You really got me (1964), Sunny afternoon (1966) i Waterloo Sunset (1967) i van treure els LP Face to face (1966) The village green preservation society (1968) i Arthur (1969) sense gran èxit comercial però sí de la crítica, per la qualitat de les composicions de Ray Davies amb una música de «rhytm-and-blues» evolucionat i unes lletres que reflectien molt bé a la joventut i la societat britànica. El seus èxits principals, però, els obtingueren durant els anys 70 i 80.

The Kinks: You really got me  https://www.youtube.com/watch?v=fTTsY-oz6Go

Waterloo sunset  https://www.youtube.com/watch?v=N_MqfF0WBsU

Dedicated to a follower of fashion  https://www.youtube.com/watch?v=QA5gJ0hZpCc

Victoria  https://www.youtube.com/watch?v=z2GHlcwlT1Y

De la gran quantitat d’altres grups del pop britànic del 60, destacar a The Animals (amb el seu èxit The house of the rising sun), The Yardbirds (especialitzat en el «blues» pel que van passa guitarristes com Eric Clapton, Jeff Beck i Jimmy Page) i Manfred Mann (que van versionar The Mighty Quinn de Bob Dylan).

The Animals: House of the rising sun  https://www.youtube.com/watch?v=MgTSfJEf_jM

Manfred Mann Group: The Mighty Quinn  https://www.youtube.com/watch?v=K13hH0pJx5s

Per acabar aquesta evocació del pop britànic, res millor que citar a Nik Cohn: «Tinc a la memòria el record de dos anys d’abundància (1964 i 1965), quan no es feia res excepte sentir-se lliure i perdre el temps, comprar roba nova, menjar massa i parlar i parlar amb els amics, quan ens creiem que ja no hauríem de treballar mai més en la vida. Sens dubte es faran grans discos, grans èxits del més difícil encara; només que ja no tornarem a aquell temps que es podia obrir el Melody Maker, donar un tomb pels clubs, passejar pels carrers i sentir tan bon soroll per set xíllings i sis penics».

3. El cicle nordamericà 1966-1969

En la segona meitat de la dècada dels 60, el centre creatiu del pop-rock va passar de la Gran Bretanya als Estats Units.

Ja des de la primera gira americana dels Beatles el 1964, els grups britànics van triomfar als USA i passaren cada cop més temps en aquest país, on es va posar de moda entre la joventut l’ «anglofilia» no sols en música si no també en moda, art, etc.

Però a partir de 1966 sorgí un pop-rock genuïnament americà, amb els següents trets diferencials respecte al pop britànic:

– Als USA els músics rock tenien molt més a mà les fonts de la música afroamericana (blues, rhytm-and-blues, rock primitiu, soul, be-bop, etc.), de manera que el rock americà incorporà directament aquestes músiques (inclús a músics d’aquests estils als seus grups), mentre que els britànics es limitaren a reproduïr-les.

– El pop-rock USA incorporà també cultures blanques autòctones com la poesia i literatura «beatnik» dels Allen Ginsberg, Jack Kerouac, etc. i el folk dels Woody Guthrie, Pete Seeger, etc. Sobre tot, fou crucial la figura de Bob Dylan que aportà al rock ambdós elements (les lletres poètiques a l’estil dels beatniks i la música folk).

– El públic i la seva relació amb la música també variaren sensiblement. Mentre que els joves britànics buscaren en el pop la diversió i la rebel.lió «teenager», els joves USA el convertiren en un dels principals medis d’expressió de la revolució «hippie» i «yippie» que tenia un caràcter més polític i de transformació social.

Degut a això últim, la principal tendència del pop-rock USA va sorgir a Califòrnia, lloc on va nèixer la revolució hippie. A les ciutats de San Francisco i Los Angeles i les seves universitats, dins de la cultura underground (en la que tenia molta importància l’experimentació amb drogues com la marihuana i l’àcid o LSD), va ser on van sorgir els grups de l’anomenat acid-rock, com Jefferson Airplane, Grateful Dead, Country Joe and The Fish, i els més importants: Janis Joplin (la cantant blanca que cantava com una negra i que va morir prematurament l’any 1969) i The Doors (el grup del compositor i cantant Jim Morrison -del que es digué que fou el cantant blanc més sexy després de Elvis Presley i que també morí prematurament al 1970-, el teclista Ray Manzarek, el guitarra Robby Krieger i el bateria John Densmore).

Jefferson Airplane: Somebody to love  https://www.youtube.com/watch?v=YIkoSPqjaU4

Country Joe and the Fish: I’m fixin to die rag directe al festival de Woodstock https://www.youtube.com/watch?v=dATyZBEeDJ4

Janis Joplin: Me and Bobby McGee  https://www.youtube.com/watch?v=WXV_QjenbDw

Little Girl Blues en directe a la TV https://www.youtube.com/watch?v=FVpDOIPx_sY

The Doors: Light my fire  https://www.youtube.com/watch?v=deB_u-to-IE

People are strange  https://www.youtube.com/watch?v=WftIhN5GxGk

The End  https://www.youtube.com/watch?v=JSUIQgEVDM4

Un músic singular de la costa Oest fou Frank Zappa, guitarrista i compositor que amb el seu grup Mothers of Invention feu una música rock barrejada amb jazz, clàssica contemporània (fou admirador de Varèse i de Cage) i «vaudeville» i unes lletres que barrejaven provocació, humor i surrealisme, de molta qualitat; amb una carrera que als 60 donà LP’s com Freak out! (1966), Absolutely free (1967), Lumpy Gravy (el més avanguardista 1968), We’re only in It for the Money (1968 en el que parodiaven el Sargent Pepper dels Beatles) i Hot Rats (1969), i perdurà als anys 70.

Frank Zappa and The Mothers of Invention:  Plastic People del LP Absolutely free  https://www.youtube.com/watch?v=SVEqxSlaQ64

Lumpy Gravy LP complet https://www.youtube.com/watch?v=9Qqtmhx_btI

Peaches en Regalia del LP Hot Rats  https://www.youtube.com/watch?v=RGQxI0G6mKk

Mentres tant, a la costa Est (a Nova York sobre tot), es desenvolupà un altre tipus de rock, més intel.lectual i sofisticat, relacionat amb l’entorn de l’artista plàstic pop-art Andy Warhol. El grup Velvet Underground en fou el màxim representant, sobre tot pel seu primer disc The Velvet Underground & Nico 1967 (famós pel plàtan dissenyat per Warhol per a la portada), on es reuniren músics del talent de Lou Reed (cantant i compositor que després seguí una carrera en solitari als anys 70) i John Cale (baix i violinista que venia de la música minimalista). Només tregué dos discos i es dissolgué, convertint-se en un grup de culte precursor del glam-rock i del punk. Un altre grup de la costa Est fou The Fugs, que feren un rock provocador i polític en la línia de Zappa.

Un altra tendència del pop-rock USA dels 60 fou el folk-rock, que barrejà ambdós gèneres i estava fortament infuenciat per el Bob Dylan rocker de la segona meitat de la dècada. Dins d’ell, esmentar els grups The Byrds (versionadors de Mr. Tambourine Man de Dylan), Lovin’Spoonful, The Mamas and The Papas, i sobre tot el duo Simon & Garfunkel (autors d’LP com Sounds of silence 1966, Bookends 1968 i Bridge over troubled water 1970, i de composicions tan inspirades com The sound of silence, Mrs. Robinson i Bridge over troubled water).

A finals de la dècada van destacar nous grups com Credence Clearwater Revival (que feien un rock dur simple i directe), Blood Sweat and Tears (que feien jazz-rock), Crosby, Stills, Nash i Young (folk-rock basat en les harmonies vocals) i The Band (grup d’acompanyament de Dylan).

The Velvet Underground:  Venus in furs 1968 https://www.youtube.com/watch?v=AwzaifhSw2c

The Byrds: Mr. Tambourine Man 1965 https://www.youtube.com/watch?v=NyOzGPbn2tg

Simon & Garfunkel: The sounds of silence de l’LP del mateix nom https://www.youtube.com/watch?v=6qKy9iK_jDc

America de l’LP Bookends https://www.youtube.com/watch?v=W773ZPJhcVw

Credence Clearwater Revival: Proud Mary https://www.youtube.com/watch?v=Gpqz3cdVPLM

The Band: The weight https://www.youtube.com/watch?v=FFqb1I-hiHE

Pel que fa al pop-rock britànic, un cop acabada la seva hegemonia de la primera meitat dels 60, a la segona meitat sorgiren una sèrie de grups i músics influenciats pel rock USA. Els més rellevants foren Pink Floyd (que feien rock psicodèlic i van desenvolupar la seva carrera principal als anys 70), Cream (supergrup format pel baixista Jack Bruce, el bateria Ginger Baker, i el guitarrista Eric Clapton que va tenir després una llarga carrera i es considera un dels millors guitarristes de rock i de blues), Traffic (grup de rock-blues format al voltant del cantant i teclista Steve Winwood), i altres com The Incredible String Band, Move, Procol Harum i Bee Gees, i els cantants Julie Driscoll i Joe Cocker.

Pink Floyd: A saucerful of secrets 1968  https://www.youtube.com/watch?v=A_6oxkwJttM

Cream: White room de l’LP Wheels of fire 1968 https://www.youtube.com/watch?v=pkae0-TgrRU

Traffic: Low Spark of High Heeled Boys en directe 1972 https://www.youtube.com/watch?v=R8M8R835Ck4

The Incredible String Band: Painting Box 1967 https://www.youtube.com/watch?v=UoQ3tmohEX4

Joe Cocker: With a little help of my friends en directe al festival de Woodstock 1969 https://www.youtube.com/watch?v=bRzKUVjHkGk

Menció part mereix el guitarrista, cantant i compositor Jimi Hendrix, que havia nascut als USA i s’havia format tocant en grups de blues i soul, i al 1966 es traslladà a Gran Bretanya i formà el seu grup The Jimi Hendrix Experience, primer amb Noel Redding al baix i Mitch Mitchell a la bateria (amb els que grabà els LP Are you experienced i Axis Bold as Love 1967 i Electric Ladyland 1968) i després amb Billy Cox al baix i Buddy Miles a la bateria (amb els que grabà Band of gypsies 1969). Hendrix fou un músic genial, que a partir d’una sòlida base blues creà un rock avantguardista i , sobre tot, un estil molt personal com a guitarrista, desenvolupant al màxim el potencial de la guitarra elèctrica i essent segurament el músic més influent de la història d’aquest instrument. Històrica va ser la seva actuació tancant el festival de Woodstock de l’estiu de 1969, i dins d’ella, el seu solo de guitarra-deconstrucció de l’himne dels Estats Units (The Star-Spangled Banner). Hendrix morí prematurament l’any 1970 poc després d’actuar al festival de la illa de Wight.

Jimi Hendrix: Hey Joe de l’LP Are you experienced 1967 https://www.youtube.com/watch?v=DpkDdLZGg30

Purple Haze del mateix LP https://www.youtube.com/watch?v=pjWfxhEfM6U

The Star-Spangled Banner en directe al festival de Woodstock 1969 https://www.youtube.com/watch?v=sjzZh6-h9fM

Machine gun de l’LP grabat en directe Band of Gypsies 1969  https://www.youtube.com/watch?v=joQf8bZR0qY

L’any 1969 va ser la culminació del pop-rock entès com a música de la revolució dels joves; i a partir dels 70 es convertí en el gènere musical predominant en la cultura occidental (i més tard en la de tot el món), diversificant-se en molts estils i essent en gran part integrat pel sistema i per la indústria d’entreteniment.

3. El «pop» afroamèrica: El «soul»

Ja hem posat de relleu en altres capítols com la música dels negres nordamericans (música afroamericana), per causa de la segregació respecte a la societat blanca que van patir, de dret o de fet, durant tot el segle, va desenvolupar-se de manera independent, en una línia que va anar del «blues» de principis de segle al «hip-hop» dels 80 i 90. Doncs bé, aquesta línia, als anys 60 passà pel «soul».

El soul va ser un estil de música pop, en general ballable, feta i produïda per negres i orientada al públic jove d’aquesta raça. Va tenir dues branques, desenvolupades en dues ciutats diferents i a partir de dues discogràfiques.

En primer lloc, l’anomenat Motown sound, creat a finals de la dècada dels 50 sota la discogràfica Tamla Motown a la ciutat de Detroit, ciutat industrial i amb forts conflictes racials (allà va nèixer el «black power»). Música urbana filla del «rhytm-and blues», va tenir com a artistes més representatius a The Temptations, The Supremes, Martha and the Vandellas, Smokey Robinson, The Four Tops i Marvin Gaye.

L’altre branca, la que pròpiament s’anomenà soul, va nèixer a Memphis, ciutat del Sur del USA, impulsada per la discogràfica Stax. Els seus orígens musicals eren més rurals (el «blues» i el «gospel» que es cantava a les esglèsies) i va recuperar la secció de vent (trompeta, saxo, trombó) que havia perdut importància en el pop blanc. Els principals músics van ser Aretha Franklin, Otis Redding, Booker T and The MG’s, Wilson Pickett, Carla Thomas i un jove James Brown que als 70 i 80 va enllaçar amb el «funk» i el «hip-hop».

The Supremes: Stop in the name of love https://www.youtube.com/watch?v=JC-MDYopSoA

The Four Tops: Reach out I’ll be there https://www.youtube.com/watch?v=c56Sj7kMbLk

Martha and the Vandellas: Dancing in the street  https://www.youtube.com/watch?v=9KhbM2mqhCQ

Aretha Franklin: I say a little prayer  https://www.youtube.com/watch?v=STKkWj2WpWM

Otis Redding: My girl  https://www.youtube.com/watch?v=0iPtG_O8w8g

Wilson Pickett: Land of 1000 dances   https://www.youtube.com/watch?v=3mz_EXHKGHs

James Brown: I fell good   https://www.youtube.com/watch?v=t08ejaQqWjY

4. El ressò del pop-rock dels 60 a Espanya i Catalunya

Al igul que la revolució dels joves, el pop-rock britànic i USA va tenir ressò a la majoria de països europeus, i també a alguns llatinoamericans (Mèxic, Argentina) i asiàtics (Japó).

A Espanya, en la primera meitat dels 60 van sorgir grups que replicaven el «rock-n-roll» de finals dels 50 i el pop britànic dels primers 60, en general traduint-lo a l’espanyol. Els més coneguts van ser, a Madrid Los Módulos, Pekeniques, los Brincos i Los Bravos. A Barcelona, Lone Star, Los Sirex, Los Mustang i Los Salvajes.

A finals de la dècada, es va produïr una rèplica del rock USA, que va cristal.litzar en el moviment anomenat «música progressiva» quina màxima expressió va ser el festival que amb aquest nom es va fer a Barcelona l’any 1970. Ara els temes eren quasi tots en anglès. Tres ciutats van ser d’on van sorgir la majoria de grups: Sevilla (amb es grups Smash i Silvio y Sacramento), Barcelona (amb els grups Màquina, Musica Dispersa, Crack i Agua de Regaliz) i Madrid (amb Canarios).

Los Módulos: Todo tiene su fin  https://www.youtube.com/watch?v=oGOv9K9f17c

Los Brincos: Mejor  https://www.youtube.com/watch?v=uMH13A6NBaU

Lone Star: Mi calle   https://www.youtube.com/watch?v=tSGfUzrsWLw

Los Sirex: El tren de la costa   https://www.youtube.com/watch?v=A6XAm–qq2U

Los Salvajes: Soy así   https://www.youtube.com/watch?v=Lc0EXz0oOJg

Smash: Scouting  https://www.youtube.com/watch?v=7YcNBXSQaYU

Màquina: Why? https://www.youtube.com/watch?v=5sKRfL12Bho

Musica Dispersa: Gilda https://www.youtube.com/watch?v=zc21d_dbG8Y

Canarios: Get off your kness https://www.youtube.com/watch?v=s8V4AsmH8Kg


1. El nacimiento de un nuevo género musical

Aunque en la segunda mitad de la década de los años 50, en los USA y en algunos países occidentales ya existía una música orientada al público joven (que en el capítulo de los años 50 hemos llamado pop primitivo y rock primitivo), esta música a menudo estaba interpretada por músicos adultos, formaba parte de la industria del espectáculo en general y sus promotores, managers y discográficas eran los mismos que los de la música de entretenimiento para adultos.

No fue hasta los años 60 que surgió una música para los jóvenes interpretada exclusivamente por jóvenes y con un entorno (productores, managers, diseñadores, empresas discográficas, etc.) formado también predominantemente por jóvenes. Esto dio una libertad creativa a los músicos que permitió la creación de un género musical nuevo, la música pop-rock.

Socialmente, como ya se ha dicho, el nuevo género y sus expresiones, superando el carácter de mera música de entretenimiento, fue uno de los principales, si no el principal, vehículo de expresión de la revuelta de los jóvenes de los años 60. A ello contribuyó la identificación entre los músicos y el público (que tenían la misma edad y vestían con la misma moda) y el nuevo tipo de managers (jóvenes e integrados en el grupo musical, ejemplos de los que serían Brian Epstein de los Beatles o Andrew Loog Oldham de los Rolling Stones).

Musicalmente, la música pop-rock partió del rock primitivo de los años 50 (que a su vez bebió del blues, el bebop, el rhytm-and-blues, el soul y el rock and roll negros, en definitiva de la música afroamericana ). La expresión explícita de la sexualidad del rock and roll (en los años 50 limitada a los circuitos de música para negros) ligó muy bien con la nueva música joven como un elemento más de la rebelión contra los padres. Así, el pop-rock tomó del rock primitivo el carácter basado en el ritmo y bailable de la música, el protagonismo de las guitarras eléctricas y de la batería en la instrumentación, y la temática de las letras donde predominaban los temas que preocupaban a los « teenagers »(la sexualidad y la rebelión contra el mundo de los padres).

Pero otra característica del pop-rock fue su capacidad de síntesis y absorción de influencias de otros estilos, como los standards y baladas y otros elementos del jazz, la música folk inglesa y americana, los cantautores (lo que aportó una mayor calidad de las letras), la música culta (tanto sinfónica como electrónica), la música popular de otros países (hindú, africana, etc.).

A partir de estos elementos iniciales, el pop-rock se consolidó como género, evolucionó durante lo que restaba del siglo XX y el siglo XXI, superó su carácter de música para los jóvenes, y llegó a ser a partir de los 70 la música predominante en la industria musical. Evolución que, simplificando, se puede decir que se movió siempre entre dos extremos: la fidelidad a los estilos originales de blues, rhytm-and-blues y rock’n roll (que se puede ejemplificar en los Rolling Stones o en el «punk») , y la evolución integrando otros estilos y alejándose de su origen (que se puede ejemplificar en los Beatles o en el rock progresivo).

Aunque la audiencia de la música pop de los 60 fue la juventud de todo el mundo (de acuerdo con el carácter universal que hemos destacado en la rebelión juvenil), sus creadores principales fueron músicos y grupos británicos y de los EE.UU., y la lengua de sus letras casi exclusiva fue el inglés. Esto hizo que este idioma sustituyera al francés en la vanguardia musical (y fue aprovechado también para reforzar el imperialismo cultural de los EE.UU.). Sin embargo, en los años 70 y siguientes se acabó con esta exclusividad y se desarrollaron músicas pop y rock en otras lenguas.

2. El ciclo británico 1962-1965

Fueron los grupos británicos de los primeros años 60, formados por jóvenes o adolescentes, y sobre todo en dos ciudades (Londres y Liverpool), los que crearon esta nueva música, que en principio se llamó «beat» por el nombre del grupo más conocido y definidor de esta música: The Beatles.

Los Beatles eran de Liverpool, ciudad inglesa donde, por su carácter portuario, llegaban muchos discos de rhytm-and blues y de rock’n roll de USA. Precisamente de estos estilos era sobre todo la música que hacían en sus actuaciones iniciales, junto con algunas baladas y composiciones «skiffle» (folk inglés). Los dos líderes y compositores del grupo eran John Lennon (más rockero, duro y disonante armónicamente) y Paul McCartney (más crooner, melodista y clásico armónicamente), que se complementaban muy bien. El grupo, en su formación definitiva (antes pasaron Stu Sutcliffe y Pete Best) lo completaron el guitarra George Harrison y el batería Ringo Starr. Con esta formación actuaron los años 1960 a 1962 en clubes locales de Liverpool (el más conocido The Cavern) y Hamburgo.

A partir de que se incorporara el «manager» Brian Epstein y que firmaran contrato discográfico con EMI, fueron introduciendo cada vez más composiciones del tándem Lennon -McCartney, y definiendo su estilo en el que junto con la base rock’n roll añadían una personal manera de utilizar las armonías vocales («europea» al subrayar el modo -mayor o menor- de la composición alejándose de la ambigüedad modal del blues). Así, en 1963 consiguieron sus dos primeros nº 1 de las listas inglesas (Please, please me y She loves you), y publicaron sus dos primeros Lps; y en 1964 publicaron el LP A hard day’s night, hicieron la película con el mismo nombre, e hicieron una gira americana con la que consiguieron copar los primeros puestos de las listas inglesas y americanas y que la «beatlemanía» se consagrara a nivel mundial.

En sus trabajos de 1965 (el LP Help y la película del mismo nombre y el LP Rubber soul) continuaron perfeccionando su estilo, en paralelo con el aumento de las ventas y el éxito de sus giras y conciertos en directo.

Pero a partir del LP Revolver de 1966, y sobre todo de los publicados en 1967, el single con Strawberry Fields Forever y Penny Lane y el LP Sargent Pepper’s Lonely Hearts Club Band, las composiciones de los Beatles (ahora con mayor participación de Harrison como compositor) hicieron un giro, alejándose del pop original y evolucionando hacia una música con más ambiciones artísticas, en la que junto con el cambio en la temática de las letras (que de hablar de los temas de los «teenagers» pasaron a expresar preocupaciones ideológicas y sociales), la música incorporó elementos del folk, de la música de cámara (incorporando cuartetos de cuerda), de la música electrónica (como la manipulación de las grabaciones y el «collage»), del «music-hall », del rock psicodélico y de la música hindú; volviéndose más compleja. La misma concepción de los LP, que en sus primeros era una suma de canciones, cambió a una obra total, sobre todo en el LP Sgt. Peppers que era como una sinfonía pop.

Según el crítico Nik Cohn, con el Sgnt. Pepper ‘s los Beatles dejaron de hacer pop-rock y pasaron a hacer música que pretendía ser Arte con mayúscula (hecho que él, «fan» del pop británico de los 60s, valoró negativamente). Sin embargo, dada su inmensa popularidad, tuvieron el valor de hacer popular y digerible para la industria la experimentación dentro del rock, abriendo el camino a muchos otros músicos que emprendieron caminos similares durante la segunda mitad de los 60 y los 70.

A partir de este disco (y de la muerte de Brian Epstein y el dejar de actuar en directo), los Beatles comenzaron un proceso de disolución que culminó con su separación en 1970, haciendo entre tanto los LP Beatles (conocido como «disco blanco», 1968), Abbey Road (1969) y Let it be (1970), en los que ya no funcionaban como grupo y eran sumas de composiciones individuales de Lennon, McCartney y Harrison.

Pero el pop británico no se limitó a los Beatles. Durante los años del 62 al 65, surgieron en el Reino Unido gran cantidad de grupos que contribuyeron a definir el pop como género. Los más importantes fueron los Rolling Stones y The Who, y en un segundo nivel The Kinks.

Los Rolling Stones disputaron a los Beatles la primacía en el pop-rock británico. El grupo liderado por el carismático cantante Mick Jagger y formado también por Keith Richards (guitarra y compositor junto a Jagger), Brian Jones (guitarra que después de su muerte en 1969 fue sustituido por otros guitarras y finalmente por Ron Wood), Charlie Watts (batería) y Bill Wyman (bajo), comenzaron actuando en los clubes de Londres, y eran opuestos a los Beatles en casi todo: con una música inspirada en el blues y el rhytm-and-blues, una puesta en escena más agresiva y provocadora para la sociedad de los padres, una continuidad estilística (frente a la evolución de los Beatles) que les hizo ser siempre iguales a sí mismos, y una longevidad personal y como grupo (aún hoy están en activo con más de 70 años de edad).

Durante los años 60, en sus discos (el 1er LP con Not fade away y It ‘s all over now en 1964; el segundo con Satisfaction, su gran éxito y uno de los rock mejores de la historia, en 1965; los singles Get off my cloud, 19 nervous breakdown y Paint it black y el LP Aftermath en 1966; los LP Between the buttons y Their Satanic Majestic Request (en el que se apartaron de su estilo para intentar hacer rock psicodélico) de 1967; el LP Beggar’s Banquet en 1968 (tal vez el mejor), y el LP Let it bleed en 1969; y sus giras y actuaciones en directo (que provocaron grandes escándalos y alborotos), los consolidaron como el grupo más influyente del pop después de los Beatles.

The Who fueron los terceros en discordia. Formados por el guitarrista y compositor Pete Townshend, el cantante Roger Daltrey, el bajo John Entwhistle y el batería Keith Moon, surgieron del ambiente «mod» de Londres y crearon un estilo de rock’n roll evolucionado y muy personal (marcado sobre todo por el genio de Pete Townshend) y de mucha calidad tanto en las músicas como en las letras. Canciones como My generation, Substitute, Mary Anne with the Shaky hand, I’M a boy, Tatoo y I can see for miles, y los LP My generation (1966), A kick One y The Who sell out (1967), y sobre todo la magistral ópera-rock Tommy (1969), obra de gran calidad y con la que Townshend compuso una obra de larga duración sin apartarse de los códigos del pop-rock, ni ser pretenciosa como pasó más tarde con el rock sinfónico. También tenían un espectacular show en directo, que mostraron en sus actuaciones en los festivales de Monterrey Pop (1967), de Woodstock (1969), de Wight (1970) y de Leeds (del que salió el LP Live at Leeds 1970 ).

The Kinks, el grupo protagonizado por los hermanos Ray Davies (guitarra, cantante y compositor) y Dave Davies (guitarra), durante los años 60 tuvieron algunos éxitos como You really got me (1964), Sunny afternoon (1966) y Waterloo Sunset ( 1967) y sacaron los LP Face to face (1966) The village green preservation society (1968) y Arthur (1969) sin gran éxito comercial pero sí de la crítica, por la calidad de las composiciones de Ray Davies con una música de ” rhytm-and-blues » evolucionado y unas letras que reflejaban muy bien a la juventud y la sociedad británica. Sus éxitos principales, sin embargo, los obtuvieron durante los años 70 y 80.

De la gran cantidad de otros grupos del pop británico de los 60, destacar a The Animals (con su éxito The house of the rising sun), The Yardbirds (especializados en el “blues” por donde  pasaron guitarristas como Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page) y Manfred Mann (que versionaron The Mighty Quinn de Bob Dylan).

Para terminar esta evocación del pop británico, nada mejor que citar a Nik Cohn: «Tengo en la memoria el recuerdo de dos años de abundancia (1964 y 1965), cuando no se hacía nada excepto sentirse libre y perder el tiempo, comprar ropa nueva, comer demasiado y hablar y hablar con los amigos, cuando nos creíamos que ya no deberíamos trabajar nunca más en la vida. Sin duda se harán grandes discos, grandes éxitos del más difícil todavía; sólo que ya no volveremos a ese tiempo en el que se podía abrir el Melody Maker, dar una vuelta por los clubes, pasear por las calles y sentir tan buen ruido por siete chelines y seis peniques “.

3. El ciclo norteamericano 1966-1969

En la segunda mitad de la década de los 60, el centro creativo del pop-rock pasó de Gran Bretaña a Estados Unidos.

Ya desde la primera gira americana de los Beatles en 1964, los grupos británicos triunfaron en los USA y pasaron cada vez más tiempo en este país, donde se puso de moda entre la juventud el «anglofilia» no sólo en música sino también en moda, arte, etc.

Pero a partir de 1966 surgió un pop-rock genuinamente americano, con los siguientes rasgos diferenciales respecto al pop británico:

– En USA los músicos rock tenían mucho más a mano las fuentes de la música afroamericana (blues, rhytm-and-blues, rock primitivo, soul, be-bop, etc.), por lo que el rock americano incorporó directamente estas músicas ( incluso a músicos de estos estilos a sus grupos), mientras que los británicos se limitaron a reproducirla.
– El pop-rock USA incorporó también culturas blancas autóctonas como la poesía y literatura «beatnik» de los Allen Ginsberg, Jack Kerouac, etc. y el folk de los Woody Guthrie, Pete Seeger, etc. Sobre todo, fue crucial la figura de Bob Dylan que aportó al rock ambos elementos (las letras poéticas al estilo de los beatniks y la música folk).
– El público y su relación con la música también variaron sensiblemente. Mientras que los jóvenes británicos buscaron en el pop la diversión y la rebelión «teenager», los jóvenes USA lo convirtieron en uno de los principales medios de expresión de la revolución «hippie» y «yippie» que tenía un carácter más político y de transformación social.

Debido a esto último, la principal tendencia del pop-rock USA surgió en California, lugar donde nació la revolución hippie. En las ciudades de San Francisco y Los Ángeles y sus universidades, dentro de la cultura underground (en la que tenía mucha importancia la experimentación con drogas como la marihuana y el ácido o LSD), fue donde surgieron los grupos del llamado acid-rock, como Jefferson Airplane, Grateful Dead, Country Joe and The Fish, y los más importantes: Janis Joplin (la cantante blanca que cantaba como una negra y que murió prematuramente en 1969) y The Doors ( el grupo del compositor y cantante Jim Morrison -del que se dijo que fue el cantante blanco más sexy después de Elvis Presley y que también murió prematuramente en el 1970-, el teclista Ray Manzarek, el guitarra Robby Krieger y el batería John Densmore).

Un músico singular de la costa Oeste fue Frank Zappa, guitarrista y compositor que con su grupo Mothers of Invention hizo una música rock mezclada con jazz, clásica contemporánea (fue admirador de Varèse y de Cage) y «vaudeville» y unas letras que mezclaban provocación, humor y surrealismo, de mucha calidad; con una carrera que en los 60 dio LP ‘s como Freak out! (1966), Absolutely free (1967), Lumpy Gravy (el más vanguardista 1968), We’re only in It for the Money (1968 en el que parodiaban el Sargent Pepper de los Beatles) y Hot Rats (1969), y perduró en los años 70.

Mientras tanto, en la costa Este (en Nueva York sobre todo), se desarrolló otro tipo de rock, más intelectual y sofisticado, relacionado con el entorno del artista plástico pop-art Andy Warhol. El grupo Velvet Underground fue su máximo representante, sobre todo por su primer disco The Velvet Underground & Nico 1967 (famoso por el plátano diseñado por Warhol para la portada), donde se reunieron músicos del talento de Lou Reed (cantante y compositor que luego siguió una carrera en solitario en los años 70), y John Cale (bajo y violinista que venía de la música minimalista). Sólo sacaron dos discos y se disolvieron, convirtiéndose en un grupo de culto precursor del glam-rock y del punk. Otro grupo de la costa Este fue The Fugs, que hicieron un rock provocador y político en la línea de Zappa.

Otra tendencia del pop-rock USA de los 60 fue el folk-rock, que mezcló ambos géneros y estaba fuertemente infuenciat por el Bob Dylan rockero de la segunda mitad de la década. Dentro de él, mencionar los grupos The Byrds (versionadores de Mr. Tambourine Man de Dylan), Lovin’Spoonful, The Mamas & the Papas, y sobre todo el dúo Simon & Garfunkel (autores de LP como Sounds of silence 1966, 1968 y

A finales de la década destacaron nuevos grupos como Credence Clearwater Revival (que hacían un rock duro simple y directo), Blood Sweat and Tears (que hacían jazz-rock), Crosby, Stills, Nash y Young (folk-rock basado en las armonías vocales) y The Band (grupo de acompañamiento de Dylan).

En cuanto al pop-rock británico, una vez terminada su hegemonía de la primera mitad de los 60, en la segunda mitad surgieron una serie de grupos y músicos influenciados por el rock USA. Los más relevantes fueron Pink Floyd (que hacían rock psicodélico y desarrollaron su carrera principal en los años 70), Cream (supergrupo formado por el bajista Jack Bruce, el batería Ginger Baker, y el guitarrista Eric Clapton que tuvo después una larga carrera y se considera uno de los mejores guitarristas de rock y de blues), Traffic (grupo de rock-blues formado alrededor del cantante y teclista Steve Winwood), y otros como The Incredible String Band, Move, Procol Harum y Bee Gees, y los cantantes Julie Driscoll y Joe Cocker.

Mención aparte merece el guitarrista, cantante y compositor Jimi Hendrix, que había nacido en USA y se había formado tocando en grupos de blues y soul, y en 1966 se trasladó a Gran Bretaña y formó su grupo The Jimi Hendrix Experience, primero con Noel Redding al bajo y Mitch Mitchell en la batería (con los que grabó los LP Are you experienced y Axis Bold as Love 1967 y Electric Ladyland 1968) y después con Billy Cox al bajo y Buddy Miles en la batería (con los que grabó Band of Gypsies en 1969). Hendrix fue un músico genial, que a partir de una sólida base blues creó un rock vanguardista y, sobre todo, un estilo muy personal como guitarrista, desarrollando al máximo el potencial de la guitarra eléctrica y siendo seguramente el músico más influyente de la historia de este instrumento. Histórica fue su actuación cerrando el festival de Woodstock del verano de 1969, y dentro de ella, su solo de guitarra-deconstrucción del himno de Estados Unidos (The Star-Spangled Banner). Hendrix murió prematuramente en 1970 poco después de actuar en el festival de la isla de Wight.

El año 1969 fue la culminación del pop-rock entendido como música de la revolución de los jóvenes; a partir de los 70 se convirtió en el género musical predominante en la cultura occidental (y más tarde en la de todo el mundo), diversificándose en muchos estilos y siendo en gran parte integrado por el sistema y por la industria de entretenimiento.

3. El «pop» afroamericano: El «soul»

Ya hemos puesto de relieve en otros capítulos como la música de los negros norteamericanos (música afroamericana), por causa de la segregación respecto a la sociedad blanca que sufrieron, de derecho o de hecho, durante todo el siglo, se desarrolló de manera independiente, en una línea que fue del “blues” de principios de siglo al «hip-hop» de los 80 y 90. Pues bien, esta línea, en los años 60 pasó por el «soul».

El soul fue un estilo de música pop, en general bailable, hecha y producida por negros y orientada al público joven de esta raza. Tuvo dos ramas, desarrolladas en dos ciudades diferentes y a partir de dos discográficas.

En primer lugar, el llamado Motown sound, creado a finales de la década de los 50 bajo la discográfica Tamla Motown en la ciudad de Detroit, ciudad industrial y con fuertes conflictos raciales (allí nació el “black power”). Música urbana hija del «rhytm-and blues», tuvo como artistas más representativos a The Temptations, The Supremes, Martha and the Vandellas, Smokey Robinson, The Four Tops y Marvin Gaye.

El otro rama, la que propiamente se llamó soul, nació a mediados de la década en Memphis, ciudad del Sur de USA, impulsada por la discográfica Stax. Sus orígenes musicales eran más rurales (el “blues” y el “gospel” que se cantaba en las iglesias) y recuperó la sección de viento (trompeta, saxo, trombón) que había perdido importancia en el pop blanco. Los principales músicos fueron Aretha Franklin, Otis Redding, Booker T and The MG s, Wilson Pickett, Carla Thomas y un joven James Brown que a los 70 y 80 enlazó con el «funk” y el “hip-hop”.

4. El eco del pop-rock de los 60 en España y Cataluña

Al igul que la revolución de los jóvenes, el pop-rock británico y USA tuvo eco en la mayoría de países europeos, y también a algunos latinoamericanos (México, Argentina) y asiáticos (Japón).

En España, en la primera mitad de los 60 surgieron grupos que replicaban el “rock-n-roll” de finales de los 50 y el pop británico de los primeros 60, en general traduciéndolo al español. Los más conocidos fueron, en Madrid Los Módulos, Pekeniques, los Brincos y Los Bravos. En Barcelona, ​​Lone Star, Los Sirex, Los Mustang y Los Salvajes.

A finales de la década, se produjo una réplica del rock USA, que cristalizó en el movimiento llamado «música progresiva» cuya máxima expresión fue el festival que con este nombre se hizo en Barcelona en 1970. Ahora los temas eran casi todos en inglés. Tres ciudades fueron de donde surgieron la mayoría de grupos: Sevilla (con los grupos Smash y Silvio y Sacramento) Barcelona (con los grupos Máquina, Música Dispersa, Crack y Agua de Regaliz) y Madrid (con Canarios).

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Els anys 60: context – Los años 60: contexto

MÚSIQUES DEL SEGLE XX – MÚSICAS DEL SIGLO XX

ELS ANYS 60 – LOS AÑOS 60

1960-1969

Context socio-polític, econòmic, cultural i tecnològic – Contexto socio-político, económico, cultural y tecnológico

Els anys 60 s’han anomenat per alguns historiadors els «feliços 60» o els «anys daurats», als ser el període més perllongat del segle XX en el que es visqué una situació d’estabilitat política i econòmica en gran part del món (com a mínim a Europa i els Estats Units), que per la seva duració inclús feu pensar als seus contemporanis que s’havien acabat les crisi i s’instal.laria de manera definitiva.

En efecte, en el període que va des de l’any 1962 (crisi dels míssils que tancà la primera època de la guerra freda i inicià l’anomenada coexistència pacífica entre els blocs capitalista i comunista) a l’any 1973 (primera crisi del petroli que inaugurà una nova època de crisi), els països del bloc capitalista visqueren uns anys de fort creixement econòmic combinat amb la quasi plena ocupació i la cobertura dels serveis socials bàsics (estat del benestar) propis del pacte social generat en la postguerra.

Sobre tot, Europa occidental, amb predomini de governs socialdemòcrates o demòcrata-cristians (a França sota el president De Gaulle, al Regne Unit amb el premier Harold Wilson, a Alemanya amb Adenauer i Willy Brandt, etc.), arribà a les seves cotes històriques màximes de creixement econòmic i de benestar social. Als països del sud d’Europa governats per dictadures (Espanya, Portugal i Grècia), també hi va haver una certa obertura per la necessitat d’obrir la seva economia.

En efecte, a Espanya, amb l’integració a la ONU l’any 1955 i l’aprovació del Pla d’Estabilització i la pujada al poder dels tecnòcrates catòlics de l’Opus Dei l’any 1959, s’acabà l’autarquia econòmica i l’aÏllament polític i el franquisme s’integrà plenament en el món capitalista. El turisme passà a ser un element important en la seva economia.

Al bloc de la URSS, després de la condemna dels crims de Stalin al congrés del PCUS de 1956 i de la pujada a poder de Nikita Kruschev al 1958, i després del relaxament de la guerra freda a partir de 1963, es produí una relativa obertura política i cultural, que finalitzà el 1968 amb la invasió de Txecoeslovàquia pels tancs soviètics i l’aixafament de l’anomenada «primavera de Praga». Això, dins d’una economia que si bé no creixia al ritme de la capitalista es mantenia, i d’una societat amb les necessitats bàsiques cobertes.

Fet important dins del bloc socialista fou la ruptura entre els partits comunistes de la URSS i de Xina, partit que dirigit per Mao Tse Tung adoptà una línia pròpia més radical i internacionalista i criticà la desestalinització i la política de coexistència pacífica. Això ocasionà la divisió en el moviment comunista internacional entre prosoviètics i proxinesos.

Als USA, la curta presidència del demòcrata Kennedy (1960-1963) aixecà grans esperances de tornada al «new deal», però després del seu assassinat (encara avui no explicat satisfactòriament) el seu successor Johnson rellançà la cursa armamentística i s’implicà totalment en la guerra del Vietnam (que no acabà fins als anys 70 amb la derrota a mans de la guerrilla comunista del Vietcong). Sí relaxà la guerra freda amb la URSS, aprovà programes socials i signà la llei de drets civils que donà el vot als afroamericans, com a consequència de la llarga lluita d’aquests .

Al tercer món, durant els anys 60 culminà el procés de descolonització iniciat els anys 50, del que resultaren països majoritàriament socialistes seguint el model de la URSS, que en general iniciaren polítiques de nacionalització dels recursos en mans de les companyies de les antigues metròpolis o dels USA. Aquestes companyies reaccionaren armant exèrcits contrarevolucionaris, com en el cas del Congo ex-belga on s’inicià una guerra civil que va durar molts anys i va arruïnar el país, i van assassinar al president Patrice Lumumba.

La majoria d’aquests nous països s’integraren en el moviment dels països no alineats, que pretengué fomentar la seva independència dels dos blocs encapçalats per USA i la URSS; moviment important que es fundà a la cimera de Belgrad al 1961 i que estigué integrat sobre tot per països africans i asiàtics, més Iugoeslàvia i Cuba.

A Llatinoamèrica, la revolució cubana que al principi tingué caràcter nacionalista, es decantà bén aviat cap al comunisme donada la hostilitat dels USA per les polítiques socialistes i les nacionalitzacions d’empreses nordamericanes. Aquesta hostilitat comportà un intent fracassat d’invasió al 1962, i posteriorment un bloqueig econòmic que obligà al règim revolucionari a posar-se sota la protecció de la URSS. Al mateix temps, l’exemple cubà impulsà la creació de moviments revolucionaris a tot el continent, alguns amb implicació directa de líders cubans com el Che Guevara que al 1967 morí formant part de la guerrilla a Bolívia.

En aquests anys, la guerra freda s’expressà no sols en la cursa armamentística si no també en la cursa espaial, fites de la qual foren el primer viatge a l’espai d’un home (Gagarin, URSS, 1961) i el primer home que trepitjà la Lluna (Armstrong, USA, 1969).

Front a aquesta estabilitat política, la societat experimentà profunds canvis, centrats sobre tot en el nou paper dels joves, en el moviment d’emancipació de les dones, i (als USA) en la lluita per l’emancipació de les minories racials.

Ja als anys 50, la joventut als USA es configurà com un segment de la societat amb cada cop més identitat com a grup, i amb creixent capacitat adquisitiva que la feu objecte de la indústria del consum.

Als anys 60 aquest fenòmen s’estengué a tot el món occidental, on l’increment de la població juvenil degut al boom demogràfic de la postguerra creà una nombrosa generació de joves, que es caracteritzà per:

– L’alt nivell educatiu en relació a generacions anteriors, fruït de l’estat del benestar, que es traduí entre altres fets en un fort increment de la població universitària.

– El relatiu bon nivell d’ocupació, que comportà la disponibilitat de diners per a despeses pròpies (oci, roba, llibres, discos, etc.).

– La seva forta identitat com a grup social, que es definí per oposició a la generació dels seus pares marcada per l’experiència de la guerra i la postguerra que els tornà reacis als canvis. Així, els joves dels 60 no es sentiren motivats per les aspiracions de la generació anterior (viure en pau, treballar, casar-se i fer una família) i reivindicaren unes aspiracions pròpies. Aquesta identitat feu que a finals de la dècada es parlés inclús de la joventut com una nova classe social.

– L’aspiració a majors cotes de llibertat i de realització personal com a ideologia bàsica, connectant amb ideologies com l’anarquisme, la bohèmia, la llibertat sexual i l’experimentació amb les drogues, en la línia dels escriptors i poetes «beatniks» dels anys 50, front al predomini de les ideologies de masses (cristianisme, socialisme, comunisme) de la generació dels seus pares. Desgraciadament, aquesta ideologia individualista també connectava amb el consumisme capitalista.

– L’adopció d’uns signes externs com a identificadors de grup, els més importants dels quals foren l’aspecte exterior (cabells llargs en els homes, forma de vestir diferent que en les dones anà desde la minifaldilla de Mary Quant a les bruses orientals i faldilles llargues hippies), i la música pop i rock i el seu entorn com a forma cultural nova llavors exclusiva dels joves.

– La seva universalitat, ja que aquest fenòmen aparegué, amb característiques similars, a tot el món capitalista (USA i Europa occidental), a països de l’Europa de l’Est, i inclús a països del tercer món (Japó o Mèxic per exemple).

Aquestes idees cristalitzaren, en la segona meitat de la dècada, en el moviment hippie, que s’inicià als USA (sobre tot a Califòrnia) i s’estengué per tot el món occidental, i es caracteritzà per ser antiurbà (formes de vestir neorurals, intents de retorn a la vida rural), comunitari (les comunes com a forma de vida enfront de la família connectant amb les utopies de Moro, Fourier, etc.), crític amb el racionalisme occidental (interès per les cultures i místiques orientals com el budisme i l’hinduisme) i hedonista (valoració de la sexualitat lliure i ús de les drogues com la marihuana i l’LSD).

A pesar del caràcter en general individualista de la rebel.lió dels joves contra el món dels seus pares, en la segona meitat de la dècada adquirí un caràcter més polític; si bé es tractà d’una politització que, seguint a pensadors post-marxistes com Herbert Marcuse, es distancià del marxisme-leninisme ortodox (que no reconeixia les noves característiques del capitalisme i les noves classes emergents diferent del proletariat industrial) i denuncià per igual el capitalisme i el comunisme stalinista; i seguint a post-freudians com Wilhelm Reich, reivindicà l’alliberament personal com a part de la revolució.

Així, als USA els joves i els universitaris encapçalaren el moviment contra la guerra del Vietnam, que tingué una fita important en les manifestacions i enfrontaments amb la policia a Xicago durant la Convenció del partit demòcrata l’any 1968, on foren detinguts els militants «yippies» (versió polititzada dels hippies) Abbie Hoffman i Jerry Rubin. També, els festivals de música rock (com el de Woodstock als USA l’any 1969) foren vehicle per a l’expressió del moviment hippie i yippie.

A Europa occidental, els joves i estudiants es revoltaren contra la societat dels seus pares (tant en la seva realitat capitalista com en l’alternativa que plantejaven els partits comunistes), a molts països (Alemanya, Holanda, Itàlia). El moviment més importat fou el Maig francès, quan l’any 1968 els estudiants francesos protagonitzaren una revolta que paralitzà primer les universitats i després les fàbriques en una gran vaga general, acompanyada de forts enfrontaments amb la policia amb barricades als carrers que recordaren la Comuna de Paris i feren pensar en que triomfaria la revolució. Tanmateix, no es va produïr el canvi de sistema, si bé en les eleccions de l’any següent el general De Gaulle fou derrotat i abandonà la política.

També a l’Europa de l’Est, la revolució de l’any 1968 per una major obertura del règim comunista a Txecoeslovàquia (coneguda com a primavera de Praga) que acabà amb la invasió del païs pels tancs de la URRS, fou encapçalada pels joves; i a Mèxic, els estudiants protagonizaren l’any 1968 una revolta contra el fossilitzat sistema polític que fou reprimida per la policia amb la mort de centenars d’estudiants a la matança de la plaça de les 3 Cultures de la capital.

Un altre gran canvi social dels 60 fou l’eclosió del moviment d’alliberació de les dones o feminisme. Si bé durant el segle XIX i primera meitat del XX ja existia la lluita de les dones pels seus drets (centrada llavors en l’obtenció del dret de sufragi i la igualtat davant la llei), als anys 60 es desenvolupà una nova fase que es centrà més en els obstacles «de facto» a la igualtat, com el paper de la dona en la família i en el treball, i els drets sexuals i reproductius. Llibres com El segon sexe de Simone de Beauvoir o La mística de la femineitat de Betty Friedan, i l’acció de les associacions, moviments i partits feministes que sorgiren en molts països, reivindicaren canvis en aquests aspectes. Una de les victòries del moviment fou la gran millora de l’accés al mètodes anticonceptius, que de més a més de permetre que la maternitat fos una decisió lliure de les dones, fou la base per a la revolució sexual en la que tant dones com homes començaren a poder mantenir relacions sexuals deslligades del matrimoni i la reproducció (o de la prostitució en el cas els homes) amb molta més llibertat.

La tercera revolució social (aquesta limitada als Estats Units) fou la lluita per l’alliberament dels negres, col.lectiu que patia moltes discriminacions legals i de fet. Aquesta lluita tingué dues versions: una pacifista i que reivindicà la integració amb igualtat de drets, que tingué el seu líder en Martin Luther King, quins mètodes de lluita foren les manifestacions i la desobediència civil, i quines fites més importants foren la Marxa sobre Washington al 1963 (on M.L. King pronuncià el seu famòs dicurs I have a dream…..) i el seu assassinat l’any 1968; i una versió armada, que reivindicà l’autonomia dels negres i el seu dret a defensar-se de les agressions i assassinats dels blancs, encapçalada pel partit Black Power i per la figura de Malcom X (assassinat l’any 1965). Com a resultat, l’any 1964 el president Johnson va signar l’Acta dels drets civils, que va ser un avanç però no va satisfer del tot el moviment, que continuà durant els anys 70 i moltes de quines reivindicacions encara són vives avui en dia.

Als anys 60 també aparegué una cultura vinculada amb la revolució dels joves i la música rock, que s’anomenà contracultura o cultura «underground».

Així, pel que fa a la literatura, es reivindicaren les obres dels escriptors i poetes post-beatniks com Allen Ginsberg, Alan Watts i Paul Goodman; en arts plàstiques sorgí l’anomenat «pop art» amb artistes com Andy Warhol i Roy Liechtenstein; i en teatre grups com el Living Theatre uniren l’herència del happening dels 50 amb l’estètica hippie en el seu teatre de carrer i d’improvitsació. També el cinema reflectí el moviment dels joves en films com Easy Rider de Dennis Hopper, The Graduate de Mike Nichols, A taste of honey de Tony Richardson, One plus One de Jean Luc Godard, Blow-up i Zabriskie Point de Michelangelo Antonioni i Hair de Milos Forman. Sense oblidar les magistrals pel.lícules de Richard Lester amb els Beatles, A Hard Day’s Night i Help!.

Però pot ser el gènere – de més a més de la música rock- més representatiu de la cultura «underground» fou el còmic, que fins llavors havia estat un subgènere, i als 60 tingué una època d’esplendor amb l’aparició de fanzines com It i Oz i creadors com Robert Crumb i Richard Corben, i continuà a les dècades posteriors ja com una gènere artístic reconegut.

En paral.lel, als 60 sorgí un fenòmen cultural d’importància mundial, en la literatura en llengua castellana, l’anomenada nova novel.la llatinoamericana, que inventà el realisme màgic; amb entre altres l’argentí Julio Cortázar, el mexicà Carlos Fuentes, el colombià Gabriel García Márquez, el peruà Mario Vargas Llosa, l’uruguaià Juan Carlos Onetti i el cubà Guillermo Cabrera Infante.

Pel que fa als canvis tecnològics relacionats amb la música, en la producció els més importants foren els avenços en les tècniques analògiques de gravació de discos, amb l’ampliació del nombre de pistes independents (que passaren de les dues pistes a l’inici de la dècada a les 8 al final; als anys 70 s’arribà a gravar en 32 pistes) i els consegüents avenços en les tècniques de mescla, muntatge i «collage» (que van ser tan utilitzades pels Beatles); la gran difusió i abaratiment de la guitarra, tant acústica com elèctrica, que la posà a disposició de molts joves; i el perfeccionament i abaratiment dels equips d’amplificació de sò que possibilità els grans concerts en directe en espais oberts.

Pel que fa a la difusió, es produí una gran expansió de ledició i venda de discos (que als anys 60 eren els de vinil de 45 rpm -EP de 4 cançons i «singles» de dues- i de 33 rpm -LP de 15-20 minuts per cara-), que pujà de manera exponencial fins a xifres mai assolides amb anterioritat. Això comportà l’expansió de tots els professionals que es movien al voltant d’aquesta producció: mànagers, productors, dissenyadors i fotògrafs de les portades, tècnics de sò i de gravació, etc. També, els concerts en viu (en clubs i sales petites primer, i en grans locals coberts o al aire lliure a finals de la dècada) s’incrementaren en paral.lel a l’expansió de la música pop; així com la difusió per la ràdio, augmentant el nombre de programes orientats a la música jove i apareixent per primer cop emisores específiques musicals.

 

Los años 60 se han llamado por algunos historiadores los «felices 60» o los «años dorados», a ser el período más prolongado del siglo XX en el que se vivió una situación de estabilidad política y económica en gran parte del mundo ( al menos en Europa y los Estados Unidos), que por su duración incluso hizo pensar a sus contemporáneos que se habían acabado las crisis y se instalaría de manera definitiva.

En efecto, en el período que va desde el año 1962 (crisis de los misiles que cerró la primera época de la guerra fría e inició la llamada coexistencia pacífica entre los bloques capitalista y comunista) hasta el año 1973 (primera crisis del petróleo que inauguró una nueva época de crisis), los países del bloque capitalista vivieron unos años de fuerte crecimiento económico combinado con el casi pleno empleo y la cobertura de los servicios sociales básicos (estado del bienestar) propios del pacto social generado en la posguerra.

Sobre todo, Europa occidental, con predominio de gobiernos socialdemócratas o demócrata-cristianos (en Francia bajo el presidente De Gaulle, en el Reino Unido con el premier Harold Wilson, en Alemania con Adenauer y Willy Brandt, etc.), llegó a sus cotas históricas máximas de crecimiento económico y de bienestar social. En los países del sur de Europa gobernados por dictaduras (España, Portugal y Grecia), también hubo una cierta apertura por la necesidad de abrir su economía.

En efecto, en España, con la integración en la ONU en 1955 y la aprobación del Plan de Estabilización y la subida al poder de los tecnócratas católicos del Opus Dei en 1959, se terminó la autarquía económica y el aislamiento político y el franquismo se integró plenamente en el mundo capitalista. El turismo pasó a ser un elemento importante en su economía.

En el bloque de la URSS, tras la condena de los crímenes de Stalin en el congreso del PCUS de 1956 y de la subida poder de Nikita Kruschev en 1958, y tras el relajamiento de la guerra fría a partir de 1963, se produjo una relativa apertura política y cultural, que finalizó en 1968 con la invasión de Checoslovaquia por los tanques soviéticos y el aplastamiento de la llamada «primavera de Praga». Esto, dentro de una economía que si bien no crecía al ritmo de la capitalista se mantenía, y de una sociedad con las necesidades básicas cubiertas.

Hecho importante dentro del bloque socialista fue la ruptura entre los partidos comunistas de la URSS y de China, partido que dirigido por Mao Tse Tung adoptó una línea propia más radical e internacionalista y criticó la desestalinización y la política de coexistencia pacífica. Esto ocasionó la división en el movimiento comunista internacional entre prosoviéticos y prochinos.

En los EE.UU., la corta presidencia del demócrata Kennedy (1960-1963) levantó grandes esperanzas de vuelta al «new deal», pero después de su asesinato (aún hoy no explicado satisfactoriamente) su sucesor Johnson relanzó la carrera armamentística y se implicó totalmente en la guerra de Vietnam (que no acabó hasta los años 70 con la derrota a manos de la guerrilla comunista del Vietcong). Sí relajó la guerra fría con la URSS, aprobó programas sociales y firmó la ley de derechos civiles que dio el voto a los afroamericanos, como consecuencia de la larga lucha de éstos.

En el tercer mundo, durante los años 60 culminó el proceso de descolonización iniciado los años 50, del que resultaron países mayoritariamente socialistas siguiendo el modelo de la URSS, que en general iniciaron políticas de nacionalización de los recursos en manos de las compañías de las antiguas metrópolis o los USA. Estas compañías reaccionaron armando ejércitos contrarrevolucionarios, como en el caso del Congo ex belga donde se inició una guerra civil que duró muchos años y arruinó el país, y asesinaron al presidente Patrice Lumumba.

La mayoría de estos nuevos países se integraron en el movimiento de los países no alineados, que pretendió fomentar su independencia de los dos bloques encabezados por USA y la URSS; movimiento importante que se fundó en la cumbre de Belgrado en 1961 y que estuvo integrado sobre todo por países africanos y asiáticos, más Yugoslavia y Cuba.

En Latinoamérica, la revolución cubana que al principio tuvo carácter nacionalista, se decantó pronto hacia el comunismo dada la hostilidad de los USA por las políticas socialistas y las nacionalizaciones de empresas norteamericanas. Esta hostilidad comportó un intento fracasado de invasión en 1962, y posteriormente un bloqueo económico que obligó al régimen revolucionario a ponerse bajo la protección de la URSS. Al mismo tiempo, el ejemplo cubano impulsó la creación de movimientos revolucionarios en todo el continente, algunos con implicación directa de líderes cubanos como el Che Guevara que en 1967 murió formando parte de la guerrilla en Bolivia.

En estos años, la guerra fría se expresó no sólo en la carrera armamentística si no también en la carrera espacial, hitos de la cual fueron el primer viaje al espacio de un hombre (Gagarin, URSS, 1961) y el primer hombre que pisó la Luna (Armstrong, USA, 1969).

Frente a esta estabilidad política, la sociedad experimentó profundos cambios, centrados sobre todo en el nuevo papel de los jóvenes, en el movimiento de emancipación de las mujeres, y (en los EE.UU.) en la lucha por la emancipación de las minorías raciales.

Ya en los años 50, la juventud en los USA se configuró como un segmento de la sociedad con cada vez más identidad como grupo, y con creciente capacidad adquisitiva que la hizo objeto de la industria del consumo.

En los años 60 este fenómeno se extendió a todo el mundo occidental, donde el incremento de la población juvenil debido al boom demográfico de la posguerra creó una numerosa generación de jóvenes, que se caracterizó por:

– El alto nivel educativo en relación a generaciones anteriores, fruto del estado del bienestar, que se tradujo entre otros hechos en un fuerte incremento de la población universitaria.
– El relativo buen nivel de empleo, que comportó la disponibilidad de dinero para gastos propios (ocio, ropa, libros, discos, etc.).
– Su fuerte identidad como grupo social, que se definió por oposición a la generación de sus padres marcada por la experiencia de la guerra y la posguerra que los volvió reacios a los cambios. Así, los jóvenes de los 60 no se sintieron motivados por las aspiraciones de la generación anterior (vivir en paz, trabajar, casarse y formar una familia) y reivindicaron unas aspiraciones propias.
Esta identidad hizo que a finales de la década se hablara incluso de la juventud como una nueva clase social.
– La aspiración a mayores cotas de libertad y de realización personal como ideología básica, conectando con ideologías como el anarquismo, la bohemia, la libertad sexual y la experimentación con las drogas, en la línea de los escritores y poetas «beatniks» los años 50, frente al predominio de las ideologías de masas (cristianismo, socialismo, comunismo) de la generación de sus padres. Desgraciadamente, esta ideología individualista también conectaba con el consumismo capitalista.
– La adopción de unos signos externos como identificadores de grupo, los más importantes de los cuales fueron el aspecto exterior (pelo largo en los hombres, forma de vestir diferente que en las mujeres fue desde la minifalda de Mary Quant a las blusas
orientales y faldas largas hippies), y la música pop y rock y su entorno como forma cultural nueva entonces exclusiva de los jóvenes.
– Su universalidad, ya que este fenómeno apareció, con características similares, en todo el mundo capitalista (USA y Europa occidental), en países de la Europa del Este, e incluso en países del tercer mundo (Japón o México como ejemplo).

Estas ideas cristalizaron, en la segunda mitad de la década, en el movimiento hippie, que se inició en los USA (sobre todo en California) y se extendió por todo el mundo occidental, y se caracterizó por ser antiurbano (formas de vestir neorurales , intentos de retorno a la vida rural), comunitario (las comunas como forma de vida frente a la familia conectando con las utopías de Moro, Fourier, etc.), crítico con el racionalismo occidental (interés por las culturas y místicas orientales como el budismo y el hinduismo) y hedonista (valoración de la sexualidad libre y uso de las drogas como la marihuana y el LSD).

A pesar del carácter en general individualista de la rebelión de los jóvenes contra el mundo de sus padres, en la segunda mitad de la década adquirió un carácter más político; si bien se trató de una politización que, siguiendo a pensadores post-marxistas como Herbert Marcuse, se distanció del marxismo-leninismo ortodoxo (que no reconocía las nuevas características del capitalismo y las nuevas clases emergentes diferente del proletariado industrial) y denunció por igual el capitalismo y el comunismo estalinista; y siguiendo a post-freudianos como Wilhelm Reich, reivindicó la liberación personal como parte de la revolución.

Así, en USA los jóvenes y los universitarios encabezaron el movimiento contra la guerra de Vietnam, que tuvo un hito importante en las manifestaciones y enfrentamientos con la policía en Chicago durante la Convención del partido demócrata en 1968, donde fueron detenidos los militantes « yippies »(versión politizada de los hippies) Abbie Hoffman y Jerry Rubin. También, los festivales de música rock (como el de Woodstock en USA en 1969) fueron vehículo para la expresión del movimiento hippie y yippie.

En Europa occidental, los jóvenes y estudiantes se sublevaron contra la sociedad de sus padres (tanto en su realidad capitalista como en la alternativa que planteaban los partidos comunistas), en muchos países (Alemania, Holanda, Italia). El movimiento más importante fue el Mayo francés, cuando en 1968 los estudiantes franceses protagonizaron una revuelta que paralizó primero las universidades y luego las fábricas en una gran huelga general, acompañada de fuertes enfrentamientos con la policía con barricadas en las calles que recordaron la Comuna de Paris e hicieron pensar en que triunfaría la revolución. Sin embargo, no se produjo el cambio de sistema, si bien en las elecciones del año siguiente el general De Gaulle fue derrotado y abandonó la política.

También en la Europa del Este, la revolución de 1968 para una mayor apertura del régimen comunista en Checoslovaquia (conocida como primavera de Praga) que acabó con la invasión del país por los tanques de la URRS, fue encabezada por los jóvenes; y en México, los estudiantes protagonizado en 1968 una revuelta contra el fosilizado sistema político que fue reprimida por la policía con la muerte de cientos de estudiantes en la matanza de la plaza de las 3 Culturas de la capital.

Otro gran cambio social de los 60 fue la eclosión del movimiento de liberación de las mujeres o feminismo. Si bien durante el siglo XIX y primera mitad del XX ya existía la lucha de las mujeres por sus derechos (centrada entonces en la obtención del derecho de sufragio y la igualdad ante la ley), en los años 60 se desarrolló una nueva fase que se centró más en los obstáculos «de facto» a la igualdad, como el papel de la mujer en la familia y en el trabajo, y los derechos sexuales y reproductivos. Libros como “El segundo sexo” de Simone de Beauvoir o “La mística de la feminidad” de Betty Friedan, y la acción de las asociaciones, movimientos y partidos feministas que surgieron en muchos países, reivindicaron cambios en estos aspectos. Una de las victorias del movimiento fue la gran mejora del acceso al métodos anticonceptivos, que además de permitir que la maternidad fuera una decisión libre de las mujeres, fue la base para la revolución sexual en la que tanto mujeres como hombres empezaron a poder mantener relaciones sexuales desligadas del matrimonio y la reproducción (o de la prostitución en el caso los hombres) con mucha más libertad.

La tercera revolución social (esta limitada a los Estados Unidos) fue la lucha por la liberación de los negros, colectivo que sufría muchas discriminaciones legales y de hecho. Esta lucha tuvo dos versiones: una pacifista y que reivindicó la integración con igualdad de derechos, que tuvo su líder en Martin Luther King, cuyos métodos de lucha fueron las manifestaciones y la desobediencia civil, y cuyos hitos más importantes fueron la Marcha sobre Washington en 1963 (donde ML King pronunció su famoso dicurso I have a dream …..) y su asesinato en 1968; y una versión armada, que reivindicó la autonomía de los negros y su derecho a defenderse de las agresiones y asesinatos de los blancos, encabezada por el partido Black Power y por la figura de Malcom X (asesinado en 1965). Como resultado, en 1964 el presidente Johnson firmó el Acta de los derechos civiles, que fue un avance pero no satisfizo del todo el movimiento, que continuó durante los años 70 y muchas de cuyas reivindicaciones aún están vivas hoy en día.

En los años 60 también apareció una cultura vinculada con la revolución de los jóvenes y la música rock, que se llamó contracultura o cultura «underground».

Así, con respecto a la literatura, se reivindicaron las obras de los escritores y poetas post-beatniks como Allen Ginsberg, Alan Watts y Paul Goodman; en artes plásticas surgió el llamado «pop art» con artistas como Andy Warhol y Roy Liechtenstein; y en teatro grupos como el Living Theatre unieron la herencia del happening de los 50 con la estética hippie en su teatro de calle y de improvisación. También el cine reflejó el movimiento de los jóvenes en filmes como Easy Rider de Dennis Hopper, El graduado de Mike Nichols, A taste of honey de Tony Richardson, One Plus One de Jean Luc Godard, Blow-up y Zabriskie Point de Milos Forman. Sin olvidar las magistrales películas de Richard Lester con los Beatles, A Hard Day s Night y Help!.

Pero tal vez el género – además de la música rock- más representativo de la cultura «underground» fue el comic, que hasta entonces había sido un subgénero, y en los 60 tuvo una época de esplendor con la aparición de fanzines como It y Oz y creadores como Robert Crumb y Richard Corben, y continuó en las décadas posteriores ya como una género artístico reconocido.

En paralelo, en los 60 surgió un fenómeno cultural de importancia mundial en la literatura en lengua castellana, la llamada nueva novela latinoamericana, que inventó el realismo mágico; con entre otros el argentino Julio Cortázar, el mexicano Carlos Fuentes, el colombiano Gabriel García Márquez, el peruano Mario Vargas Llosa, el uruguayo Juan Carlos Onetti y el cubano Guillermo Cabrera Infante.

En cuanto a los cambios tecnológicos relacionados con la música, en la producción los más importantes fueron los avances en las técnicas analógicas de grabación de discos, con la ampliación del número de pistas independientes (que pasaron de las dos pistas al inicio de la década a las 8 al final; en los años 70 se llegó a grabar en 32 pistas) y los consiguientes avances en las técnicas de mezcla, montaje y «collage» (que fueron tan utilizadas por los Beatles); la gran difusión y abaratamiento de la guitarra, tanto acústica como eléctrica, que la puso a disposición de muchos jóvenes; y el perfeccionamiento y abaratamiento de los equipos de amplificación de sonido que posibilitó los grandes conciertos en directo en espacios abiertos.

En cuanto a la difusión, se produjo una gran expansión de la edición y venta de discos (que en los años 60 eran los de vinilo de 45 rpm -EP de 4 canciones y «singles» de dos- y de 33 rpm -LP de 15-20 minutos por cara-), que subió de manera exponencial hasta cifras nunca alcanzadas con anterioridad. Esto conllevó la expansión de todos los profesionales que se movían alrededor de esta producción: managers, productores, diseñadores y fotógrafos de las portadas, técnicos de sonido y de grabación, etc. También, los conciertos en vivo (en clubes y salas pequeñas primero, y en grandes locales cubiertos o al aire libre a finales de la década) se incrementaron en paralelo a la expansión de la música pop; así como la difusión por la radio, aumentando el número de programas orientados a la música joven y apareciendo por primera vez emisoras específicas musicales.

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Els anys 60: la música “clàssica” – Los años 60: la música “clásica”

MÚSIQUES DEL SEGLE XX – MÚSICAS DEL SIGLO XX

ELS ANYS 60 – LOS AÑOS 60

1960-1969

La música «clàssica» – La música «clásica»

1. La continuació de l’avantguarda dels 50

La música «clàssica» als anys 60, en general va continuar i exacerbar les característiques de l’avantguarda dels 50.

Pel que fa als mestres dels 50, Olivier Messiaen continuà el seu estil en el que barrejava el serialisme integral amb les experimentacions sobre el cant dels ocells i amb el sentiment religiós, amb les obres Sept haikai (1963), Coleurs de la cité celeste (1964), i La transfiguration de Nôtre Seigneur Jésus-Christ (1968).

Luciano Berio continuà la seva sèrie Sequenzas, de «solos» en els que explorava els límits dels instruments, i també de la veu humana en la seva famosa obra Sequenza III (1965), escrita per a la soprà Cathy Berberian; i investigà en el folkore de varis països en la seva obra Folk-songs (1964).

Pierre Boulez composà Le soleil de Éaux (1965), cantata per soprà i orquestra sobre un poema de René Chair; i Domaines (1968), composició per a clarinet sol.

Kalheinz Stockhausen continuà la seva obra electroacústica a Kontakte (1960); composà Klavierstücke X per piano preparat (1961) i Aus den sieben tagen (1968) per orquestra en les que els intèrprets havien d’improvitsar sobre indicacions del compositor; i Momente (1969) obra de dues hores de duració per soprà, 4 cors, 2 orgues elèctrics, instruments de vent i percussió .

Olivier Messiaen: Sept haikai (fragment) Ivonne Loriod piano, i orq. Dir. Pierre Boulez https://www.youtube.com/watch?v=PAD1WFHSKwU

Luciano Berio: Sequenza III Cathy Berberian https://www.youtube.com/watch?v=DGovCafPQAE

Pierre Boulez: Domaines Frederic Cardoso clarinet https://www.youtube.com/watch?v=dZ2KDdKtErw

Karlheinz Stockhausen: Kontakte https://www.youtube.com/watch?v=KwtAMGXyTI4

Una tendència predominant als 60 fou la dels compositors que seguiren l’herència de provocació de John Cage, ressaltant els aspectes de l’atzar, l’indeterminació, l’interacció amb el públic i la «performance», afegint com a aspectes nous la cita, la paròdia i el «collage».

En aquesta línia, Stockhausen composà Hymnen (1967) que era un collage electroacústic sobre els himnes nacionals de varis països europeus; l’hongarès György Ligeti composà Poème simphonique pour 100 métronomes (1963), on 100 metrònoms es posaven a sonar simultàniament fins a que s’anaven apagant un per un; el germano-argentí Mauricio Kagel parodià la música de Beethoven en la banda sonora del film Ludwig Van (1969); Luciano Berio introduí alusions a obres de Mahler, Bach, Mozart, Boulez i altres en la seva composició Simfonia per 8 veus i orquestra (1969); els compositors britànics Peter Maxwell Davies i Harrison Birtwistle parodiaren, respectivament, les operetes de Léhar (Revelation and fall 1966) i la música barroca (Punch and Judy 1968); l’alemany Bernd Alois Zimmermann composà un collage per recitadors, orquestra, grup de jazz i electrònica, amb fragments literaris, de músiques de Bethoven i Wagner i dels Beatles, en la seva obra Requiem per un jove poeta; els britànics del grup AMM, entre ells Cornelius Cardew, autors de música improvitsada radical tipus free-jazz; i els compositors nordamericans vinculats al grup d’artistes plàstics «Fluxus» (al que va pertànyer Yoko Ono parella de John Lennon), com Nam June Paik (One for violin 1962).

Ligeti:  Poème simphonique pour 100 métronomes https://www.youtube.com/watch?v=QCp7bL-AWvw

Stockhausen: Hymnen (fragment) https://www.youtube.com/watch?v=o0aeagbZBRs

Mauricio Kagel: Ludwig Van  https://www.youtube.com/watch?v=_-KoEofNim4

Luciano Berio: Simfonia per 8 veus i orquestra 1969 The swingle singers i orquestra dir. Luciano Berio https://www.youtube.com/watch?v=bpwO6Ig0YpU

Bernd Alois Zimmermann: Requiem für einen jungen Dichter https://www.youtube.com/watch?v=5xDCUywg_0k

Cornelius Cardew & The Scratch Orchestra: The Great Learning 1968 https://www.youtube.com/watch?v=2k1m1ITcljM

Nam June Paik:  One  https://www.youtube.com/watch?v=1opFd7k-fkQ

Un altra tendència fou la de continuar explorant en els timbres i les textures, sigui en la música instrumental i vocal o en la electroacústica, seguint l’herència de Iannis Xenakis .

En aquesta línia, el compositor més notable fou l’hongarès György Ligeti, que elaborà una música a base de «clusters» de notes harmònicament molt properes dins de l’estil que s’anomenà «micropolifonia». Les seves obre més importants foren Atmosphères per orquestra (1961), Requiem per 2 solistes, cor i orquestra (1965), Lux aeterna per 16 veus a capella (1966) i Lontano per orquestra (1967). Requiem i Lux aeterna són les més conegudes per haver estat utilitzades pel cineasta Stanley Kubrick en la banda sonora del seu film 2001 una odissea de l’espai (1968).

Altres compositors europeus amb ressò foren els polonesos Witold Lutoslawsky, autor d’una extensa obra per orquestra (on destaquen Jeux venétiens, Trois poèmes de Henry Michaux i el Concert per violoncel), i Krzysztof Penderecky, autor de la coneguda obra per orquestra de corda Threnod for the victims of Hiroshima (1960); el francès Henry Pousseur, amb l’òpera Vôtre Faust 1968; i els espanyols Cristobal Halffter (Espejos per percussió i cinta1963), Carmelo Bernaola (Superficie nº 1 per grup instrumental 1962), Luis de Pablo (Cesuras 1963 per grup instrumental, We electroacústica 1970) i Josep M. Mestres Quadreny (Música de càmera 1 per grup instrumental 1961).

György Ligeti: Fragments del Requiem BS de 2001 an space oddity  https://www.youtube.com/watch?v=b7sJwiZhdvw

Lux aterna A capella Amsterdam dir- Daniel Reuss https://www.youtube.com/watch?v=-iVYu5lyX5M

Lontano Wiener Philarmoniker dir. Cludi Abbado https://www.youtube.com/watch?v=bnZqZmcyvvI

Witold Lutoslawsky: Concert per violoncel 1ª part Msitislav Rostropovich dir. Witold Lutoslawsky

https://www.youtube.com/watch?v=bj2_dw3eolM

Krystof Penderecky: Threnod for the victims of Hiroshima National Polish Radio Symphony Orchestra, Antony Wit, Conductor https://www.youtube.com/watch?v=Dp3BlFZWJNA

Luis de Pablo: We  https://www.youtube.com/watch?v=AFtQ33ZM-eA

Entre els compositors no europeus, cal destacar als llatinoamericans (molts d’ells ajuntant l’avantguarda amb la música popular dels seus països). Entre ells, els argentins Astor Piazzola (el creador del tango contemporani, amb obres als 60 com la famosa Adiós Nonino, Las estaciones i Tangos sinfónicos), Alberto Ginastera (gran compositor amb entre altres la òpera Bomarzo 1967 i el Concert per corda 1969) i Carlos Guastavino (proper al folklore amb Sonata nº 1 per guitarra); els mexicans Héctor Quintanar (Aclamaciones per cor, orquestra i cinta 1967) i Conlon Nancarrow (deixeble de Cage, sèrie Studies per a piano mecànic, Cross currents per a ballet 1964); i els xilens Gustavo Becerra-Schmidt (oratorio MachuPichu 1966 i Cantata Lenin 1969) i Gabriel Brncic (Quodlibet III 1966). I al japonès Toru Takemitsu, conegut per les seves bandes sonores dels films Dodes’ka-den de Akira Kusosava (1969) i Mujer en la arena de Hiroshi Teshigara (1964).

Astor Piazzola: Las 4 estaciones 1963 bandoneó i grup https://www.youtube.com/watch?v=x6Jv_JrjJIY

Alberto Ginastera: Concert per corda 1966 Orquestra de Picardia dir. Edmond Colomer https://www.youtube.com/watch?v=d754CkJVLAA

Conlon Nancarrow: Study nº 11 per piano mecànic https://www.youtube.com/watch?v=UPdX85cv_D8

Gabriel Brncic: Quodlibet III 1966 https://www.youtube.com/watch?v=9wsSKkulMGA

Toru Takemitsu: November Steps 1967 Orqu. Saito Kinen dir. Keiji Ozawa https://www.youtube.com/watch?v=UC_T4_HxTb4

2. Dissidents: neoclàssics i pre-minimalistes

Fora d’aquests continuadors de l’avantguarda, als anys 60 hi hagueren compositors dissidents, uns retornant al passat i altres anticipant el futur.

En el primer grup, hi situem dos grans compositors i amics, el soviètic Dimitri Shostakovitch i el britànic Benjamin Britten, que continuaren fent la seva música fidel a la tradició clàssica i romàntica i al populisme dels anys 30. Shostakovitch, mercès a la major llibertat de l’època de Kruschev, va fer una música més personal que als anys 40 i 50, en obres com el Vuitè quartet (1960), la Tretzena simfonia basada en poemes de Yevtuchenko (1962) i la Catorzena Simfonia (1969).

Pel que fa a Britten, començà la dècada amb la seva obra més coneguda, el poema simfònic War Requiem (1963) estrenat amb motiu de la reconstrucció de la catedral de Coventry destruïda en la segona guerra mundial; seguí amb la Simfonia per violoncel (1963), diverses òperes i obres simfòniques, i ja als anys 70 la seva darrera obra, l’òpera Death in Venice sobre el llibre de Thomas Mann (1973).

Dimitri Shostakovitch: Quartet de corda nº 8 Kronos Quartet https://www.youtube.com/watch?v=3m5ohobcKb8

Benjamin Britten: War Requiem NDR Sinfonieorchester dir. John Eliot Gardiner https://www.youtube.com/watch?v=GHNgfF19CTY

En el segon grup, els compositors estadounidencs que compaginaren els seus estudis clàssics amb l’afició pel jazz i per la naixent música pop, i que ja als anys 60 anticiparen el que als 70 hauria de ser la música minimalista. Entre ells, Morton Feldman que s’inspirà en les obres del pintor Jackson Pollock; La Monte Young, que introduí l’ús del bordó (nota de fons que dura tota la composició) extret de la música hindú; i sobre tot, Terry Riley (In C 1964) i Steve Reich (It’s gonna rain 1965, Four Organs 1969) que foren uns dels més importants representants del minimalisme als anys 70.

La Monte Young: Trio fot strings  https://www.youtube.com/watch?v=s2K7n49soV8

Terry Riley: In C  https://www.youtube.com/watch?v=yNi0bukYRnA

Steve Reich: It’s gonna rain  https://www.youtube.com/watch?v=vugqRAX7xQE

 

1. La continuación de la vanguardia de los 50

La música «clásica» en los años 60, en general continuó y exacerbó las características de la vanguardia de los 50.

En cuanto a los maestros de los 50, Olivier Messiaen continuó su estilo en el que mezclaba el serialismo integral con las experimentaciones sobre el canto de los pájaros y con el sentimiento religioso, con las obras Sept haikai (1963), Coleurs de la cité celeste ( 1964), y La Transfiguration de Notre Seigneur Jésus-Christ (1968).

Luciano Berio continuó su serie Sequenzas, de «solos» en los que exploraba los límites de los instrumentos, y también de la voz humana en su famosa obra Sequenza III (1965), escrita para la soprano Cathy Berberian; e investigó en el folklore de varios países en su obra Folk-songs (1964).

Pierre Boulez compuso Le soleil de Eaux (1965), cantata para soprano y orquesta sobre un poema de René Chair; y Domaines (1968), composición para clarinete solo.

Kalheinz Stockhausen continuó su obra electroacústica en Kontakte (1960); compuso Klavierstücke X para piano preparado (1961) y Aus den sieben Tagen (1968) para orquesta en las que los intérpretes debían improvitsar sobre indicaciones del compositor; y Momente (1969) obra de dos horas de duración para soprano, 4 coros, 2 órganos eléctricos, instrumentos de viento y percusión.

Una tendencia predominante en los 60 fue la de los compositores que siguieron la herencia de provocación de John Cage, resaltando los aspectos del azar, la indeterminación, la interacción con el público y la “performance”, añadiendo como aspectos novedosos la cita, la parodia y el «collage».

En esta línea, Stockhausen compuso Hymnen (1967) que era un collage electroacústico sobre los himnos nacionales de varios países europeos; el húngaro György Ligeti compuso Poème simphonique pour 100 metrónomes (1963), donde 100 metrónomos se ponían a sonar simultáneamente hasta que se iban apagando uno por uno; el germano-argentino Mauricio Kagel parodió la música de Beethoven en la banda sonora del filme Ludwig Van (1969); Luciano Berio introdujo alusiones a obras de Mahler, Bach, Mozart, Boulez y otros en su composición Sinfonía para 8 voces y orquesta (1969); los compositores británicos Peter Maxwell Davies y Harrison Birtwistle parodiado, respectivamente, las operetas de Lehar (Revelation and fall 1966) y la música barroca (Punch and Judy 1968); el alemán Bernd Alois Zimmermann compuso un collage para recitadores, orquesta, grupo de jazz y electrónica, con fragmentos literarios, de músicas de Bethoven y Wagner y los Beatles, en su obra Requiem por un joven poeta; los británicos del grupo AMM, entre ellos Cornelius Cardew, autores de música improvisada radical tipo free-jazz; y los compositores norteamericanos vinculados al grupo de artistas plásticos “Fluxus” (al que perteneció Yoko Ono pareja de John Lennon), como Nam June Paik (One for violin 1962).

Otra tendencia fue la de continuar explorando en los timbres y las texturas, sea en la música instrumental y vocal o en la electroacústica, siguiendo la herencia de Iannis Xenakis.

En esta línea, el compositor más notable fue el húngaro György Ligeti, que elaboró ​​una música a base de «clusters» de notas armónicamente muy cercanas dentro del estilo que se denominó «micropolifonia». Sus obras más importantes fueron Atmosphères para orquesta (1961), Requiem para 2 solistas, coro y orquesta (1965), Lux aeterna por 16 voces a capella (1966) y Lontano para orquesta (1967). Requiem y Lux aeterna son las más conocidas por haber sido utilizadas por el cineasta Stanley Kubrick en la banda sonora de su película 2001, una odisea del espacio (1968).

Otros compositores europeos con eco fueron los polacos Witold Lutoslawsky, autor de una extensa obra para orquesta (donde destacan Jeux venétiens, Trois poemas de Henry Michaux y el Concierto para violonchelo) y Krzysztof Penderecky, autor de la conocida obra para orquesta de cuerda Threnod for the victims of Hiroshima (1960); el francés Henry Pousseur, con la ópera Votre Faust 1968; y los españoles Cristóbal Halffter (Espejos para percusión y cinta1963), Carmelo Bernaola (Superficie nº 1 para grupo instrumental 1962), Luis de Pablo (Cesuras 1963 para grupo instrumental, We electroacústica 1970) y Josep M. Mestres Quadreny (Música de cámara 1 para grupo instrumental 1961).

Entre los compositores no europeos, cabe destacar los latinoamericanos (muchos de ellos juntando la vanguardia con la música popular de sus países). Entre ellos, los argentinos Astor Piazzola (el creador del tango contemporáneo, con obras en los 60 como la famosa Adiós Nonino, Las estaciones y Tangos sinfónicos), Alberto Ginastera (gran compositor con entre otras la ópera Bomarzo 1967 y el Concierto para cuerda 1969) y Carlos Guastavino (cercano al folclore con Sonata nº 1 para guitarra); los mexicanos Héctor Quintanar (Aclamaciones para coro, orquesta y cinta 1967) y Conlon Nancarrow (discípulo de Cage, serie Studies para piano mecánico, Cross currents para ballet 1964); y los chilenos Gustavo Becerra-Schmidt (oratorio MachuPichu 1966 y Cantata Lenin 1969) y Gabriel Brncic (Quodlibet III 1966). Y al japonés Toru Takemitsu, conocido por sus bandas sonoras de los filmes Dodes’ka-den de Akira Kusosava (1969) y Mujer en la arena de Hiroshi Teshigara (1964).


2. Disidentes: neoclásicos y pre-minimalistas

Fuera de estos continuadores de la vanguardia, en los años 60 hubo compositores disidentes, unos retornando al pasado y otros anticipando el futuro.

En el primer grupo, situamos dos grandes compositores y amigos, el soviético Dimitri Shostakovitch y el británico Benjamin Britten, que continuaron haciendo su música fiel a la tradición clásica y romántica y al populismo de los años 30. Shostakovitch, gracias a la mayor libertad de la época de Kruschev, hizo una música más personal que en los años 40 y 50, en obras como el Octavo cuarteto (1960), la Decimotercera sinfonía basada en poemas de Yevtuchenko (1962) y la Decimocuarta Sinfonía (1969).

En cuanto a Britten, comenzó la década con su obra más conocida, el poema sinfónico War Requiem (1963) estrenado con motivo de la reconstrucción de la catedral de Coventry destruida en la segunda guerra mundial; siguió con la Sinfonía para violonchelo (1963), varias óperas y obras sinfónicas, y ya en los años 70 su última obra, la ópera Death in Venice sobre el libro de Thomas Mann (1973).

En el segundo grupo, los compositores estadounidenses que compaginan sus estudios clásicos con la afición por el jazz y por la naciente música pop, y que ya en los años 60 anticiparon lo que en los 70 fue la música minimalista. Entre ellos, Morton Feldman que se inspiró en las obras del pintor Jackson Pollock; La Monte Young, que introdujo el uso del bordón (nota de fondo que dura toda la composición) extraído de la música hindú; y sobre todo, Terry Riley (In C 1964) y Steve Reich (It ‘s gonna rain 1965, Four organs 1969) que fueron unos de los más importantes representantes del minimalismo en los años 70.

 

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